第一电影大师

❶ 如何看待英国天才电影大师卓别林

“人生近看是悲剧，远看是喜剧”。

1977年12月25日，在我们都还没出生的年代，卓别林--默片时代的巨匠去世了。

❷ 有史以来最伟大的电影大师都有谁

楼主的话看了不爽，“请不要拿斯皮尔伯格或者是希区柯克这样的导演来回答。”你把斯皮尔伯格去掉也就算了，虽然他很有名但是说到贡献也确实没什么，但是你把希区柯克也去掉了那我要怀疑你是不是有资格问这个问题了！

补充一下：大师已经不足以用来形容希区柯克。

❸ 被誉为现代电影大师

格里菲斯

大卫·格里菲斯出生于美国肯塔基州，美国导演、编剧、制作人、演员、艺术指导，被称为“美国电影之父”。他推进了电影的演出技术，他也是第一个用特写的导演。是电影历史中的杰出革新者，被认为是对早期电影发展作出极大贡献的开创性人物。他最辉煌的日子是二十年代的默片时期。最著名的作品包括《一个国家的诞生》和《党同伐异》。

大卫·格里菲斯的早年经历

大卫·格里菲斯，出生在美国肯塔基州的乡下的一个破落家庭，父亲雅各布·格里菲斯（Jacob Griffith）是南北战争时期南方军队的上校。格里菲斯从小耳濡目染的都是浪漫的英雄传说，父亲的言传身教也在很大程度上影响了他的种族观。父亲所灌输的感情偏见，由于格里菲斯热爱维多利亚风格的诗篇，更得到了助长。

他自幼熟读勃朗宁、金斯利、丁尼生和胡德的作品。这令格里菲斯一直保持着浪漫的观念和诗意情怀，有人评价格里菲斯的一些作品充斥着矫揉造作、甜言蜜语的情调和喋喋不休说教的特点，也就是说，他在创作中太容易动感情了。

17岁的格里菲斯在《路易士维尔信使报》担任记者，并开始业余写作剧本，在朋友的劝告下，加入巡回剧团。他在演戏的同时没有停止创作剧本和诗歌，但这些小作品很难得到发表。

❹ 被誉为现代电影大师的是谁

格里菲斯。

大卫·格里菲斯，出生于美国肯塔基州，美国导演、编剧、制作人、演员、艺术指导，被称为“美国电影之父”，是电影历史中的杰出革新者，被认为是对早期电影发展作出极大贡献的开创性人物，他最辉煌的日子是二十年代的默片时期。

格里菲斯也非常喜爱使用景深镜头，他的画面里在纵深方向的细节特别丰富，格里菲斯不怕让演员从远处走向乃至走过摄影机，也不吝惜让演员慢慢远离摄影机。

取材新颖

格里菲斯在Biograph时期也在影片题材上广泛取材，他拍摄的内容广泛，除了最后一分钟营救赖以成名的追逐片，也有喜剧，正剧等等。格里菲斯也开始大胆触及社会问题，认为严肃的社会题材能够提升电影的艺术地位。

❺ 谁是第一位将电影戏剧结合起来的电影大师

乔治梅里埃 他还是电影美术的创始人 电影布景是他发明的
乔治·梅里爱(Georges Méliès)，1861年12月8日生于巴黎，1938年1月21日卒于巴黎，罗培·乌坦剧院的经理。 法国演员、导演、摄影师。
作品有《圣女贞德》、《地狱的土风舞》、《音乐狂》、《仙女国》等。
折叠电影技术
停机再拍
一次，梅里爱放映拍成的影片时发现一辆行驶的公共马车忽然变成了运棺材的马车，感到惊惑不解，原来那天拍摄时，胶卷因机器故障被挂住了，再拍时，一辆运棺材的马车恰好行驶在原来马车的位置上。这次偶然的事故使身为魔术师的梅里爱茅塞顿开，明白了"停机再拍"的奥妙。
他在1899年拍摄的《灰姑娘》中，巧妙地用了停机再拍技术，创造出了南瓜变成马车、灰姑娘身上那套破旧衣服一下子变成绚丽的晚礼服。
折叠银幕工艺
他在1902年拍摄的《印度橡皮头》中，首次使用了分裂银幕工艺，用分次曝光的方法，在同一个画面中拍摄了他自己扮演的两个不同角色，取得了令人捧腹的视觉效果。
折叠魔术手法
另外，他采用"魔术照相"的手法，创造了慢动作、快动作、倒拍、多次曝光、叠化等一系列特技手法，在《灰姑娘》中他就运用了慢动作摄影使小仙女的舞蹈像在空中飞翔。他还首次透过玻璃鱼缸拍摄水下的情景。梅里爱是对当时各种电影表现手法予以创造性应用的人。他拍摄的大量短片中既有仙境般的镜头又有令人恐怖的场景。他因此被誉为是魔幻大师。
他在1902年拍摄的世界第一部神化片《月球旅行记(英语:Trip to the Moon，法语:Le Voyage à la Lun)》是根据儒勒·凡尔纳和威尔斯的两部小说改编的。梅里爱让一群身穿星相家服装的天文学家去月球旅行，他们坐在美丽女海员搬来的炮弹里，被发射到浩渺的太空，在明亮的月球上幸会了金星、火星、土星和月亮诸神，并且目睹了许多梅里爱自己想象中的奇异景象。这部只放映15分钟的影片投资了1500金路易，被电影发行商视若珍宝。

❻ 早在上世纪的70-80年代就声名鹊起的电影大师是谁

雷德利.斯科特作为电影大师早在上世纪的70-80年代就声名鹊起，其不仅仅是一位导演，也是一位学美术出生的优秀广告制作者，就电影本身而言，他拍摄的题材也非常有广度，很难定性为某一类型电影的导演。这里仅仅是个人对于他的四部史诗剧的个人感受。这四部史诗剧，分别是《1492天堂征服者》、《角斗士》、《天国王朝》、《罗宾汉》。

杰拉尔.德帕迪约扮演的哥伦布基本达到了这种表现，伊莎贝尔一世的饰演者西戈尼.韦弗也是功力深厚。斯科特这个关于哥伦布自己一个人的故事如此波澜不禁，内心矛盾和雨林湿气的共同煎熬也定会让不少观众望而却步。人们爱大场面，但受不了一个纯爷们的雕琢。

❼ 有关电影大师库布里克的生平介绍

斯坦利·库布里克 Stanley Kubrick （1928年7月26日-1999年3月7日） 斯坦利·库布里克于1928年7月26日出生在美国纽约市的布朗克斯区。祖先是来自奥匈帝国的犹太移民，父亲是医生。尽管他在学校的成绩很差，但一直都被认为是一个聪明而有天分的学生。1940年，库布里克做医生的父亲决定将他送往加利福尼亚跟叔叔住在一起，希望环境的改变能让他在学习上有所进步。1941年，库布里克从布郎克斯回到父母身边完成他初中最后一年的学习，他的学习态度和学习成绩终于有了些进步。为了让库布里克有些业余爱好，他的父亲教会了他国际象棋。正如父亲所希望的那样，库布里克狂热地迷上了象棋，而且很快就成为了一个国际象棋高手。国际象棋在库布里克后来的生涯中占有极其重要的地位，是他常常用来对付不合作演员的工具，而且也是他的电影中风雅生活的象征。 在库布里克13岁生日上，他的父亲做了一个现在看来非常明智的决定——送给他一部照相机。很快，库布里克成了摄影发烧友，为了照相，他走遍了纽约市的大街小巷，并在朋友的暗房里加工。当他卖出第一张照片给《看（Look）》杂志后，他认识了杂志里的专业摄影师们，并在17岁的时候的到了第一份工作——见习摄影师。 他最初以摄影师的身份获得了声誉，高中时就作为一个自由撰稿人向Look杂志出售他拍的相片。17岁他已经是Look的一名摄影师，期间的几年他环游了世界。后来作为非录取学生进了哥伦比亚大学，投到了喜欢Calvin Trillin和 Mark Van Doren的教授的门下。40年代后期，库布利克开始倾心与电影制作，经常去参观现代艺术博物馆的展览。为了补充收入，他经常在格林威治村赌下象棋。 1951年，库布利克用他所有的积蓄投资了他的第一部影片，Day of the Fight, 一部16分钟的关于拳击手Walter Cartier 的记录片。这部片后来被RKO收购并作为This is America系列的一部在纽约的派拉蒙剧院上映。他由此得到了鼓励，放弃了他在Look的职位，全职投入了电影制作中。在亲戚的帮助下，他筹集了13000美元投资在他的处女作，Fear and Desire (恐惧与愿望)，一个战争的故事。影片在洛杉矶附近的San Gabrielle山上拍摄，工作人员不到10人（包括库布利克的前任妻子Toba Metz），片子拍摄的时候没有配音，是后期才配上去的（这个方法最终导致增加了20000美元预算）。Fear and Desire只在纽约的艺术影院中放映，没有赚回投资的钱。1955年他拍摄了第二部影片，一部关于黑社会的Killer's Kiss ( 杀手之吻)成功地买给了United Artists(联合艺术家) 公司，并在全球发行。1956年，库布利克 执导了他的第一部摄影棚影片The Killing, 一部运用重叠的时间讲述的强盗片，由Sterling Hayen主演，撰写犯罪小说的传奇作家Jim Thompson编写台词。这成了库布利克 第一次在艺术上的成功，也引起了MGM（米高梅）的头儿Dore Share 的注意，在米高梅他和小说家Calder Willingham 一起研究将来的计划。经过一段时间准备Steven Zweige的“The Burning Secret”后，Thompson也加入他们，一起改编了Humphrey Cobb的战争小说Paths of Glory（光荣之路）。但这项计划被一个又一个的摄影场拒绝了，直到Kirk Douglas(科克 道格拉斯)同意参加演出，最后由联艺出资，于1957年在德国拍摄的这部影片获得了评论的一致赞扬，并且进一步巩固了库布利克 作为一个有前途的天才的地位。

❽ 苏联蒙太奇学派的四个主要电影大师及其作品有哪些

前苏联蒙太奇电影流派的创立和发展应归功于库里肖夫、维尔托夫、爱森斯坦和普多夫金这四位艺术大师。
库里肖夫(1899—1970)早在1916年进入电影界之初，就开始致力于研究电影艺术的规律。他在前苏联国立电影学校任教时建立“库里肖夫工作室”，带领学生进行剪辑实验。1919年《党同伐异》冲破反苏封锁，进入电影学校课堂。师生们反复观看此片，仔细研究格里菲斯大胆而细腻的剪辑手法，他们甚至重新剪辑影片的片断，观察由此产生的效果，以确定格里菲斯的剪刀舍此取彼的理由。 库里肖夫在课堂上所用的某些电影片断已成剪辑的经典之作，著名的“库里肖夫效应”就是一个最具代表性的例子。
维尔托夫倾其大半生精力摄制政治性纪录片及阐明其“电影眼睛”理论的艺术性纪录片。他的代表作有《电影真理报》(杂志片)、《电影眼睛》、《前进吧，苏维埃》、《带摄影机的人》、《关于列宁的三支歌曲》(1934)以及反映红军作战的新闻纪录片等。维尔托夫的理论与创作，与其说对传统的主流电影有一定的影响，倒不如说对前卫电影及后来的纪实性电影的启迪更大。
爱森斯坦(1898—1948)他在大学主修过土木工程。爱森斯坦曾在剧院工作，担任美工师和导演。1924年，他发表了一篇关于电影美学的论文《杂耍蒙太奇》，引起了艺术界的重视和争论。同年，他转入电影界。1924年，他执导了他的第一部影片《罢工》。这部影片充满锐气，颇具创意。影片开场的蒙太奇段落就向人们宣告，一部独具电影想象力的艺术作品诞生了：旋转的机器、飞舞的齿轮、工厂的汽笛、展现机床连绵一片的跟拍镜头和流畅的、令人晕眩的其他运动镜头……此片一呜惊人，爱森斯坦从此一发而不可收，接踵推出令世人瞩目的佳作、巨片，终于成为蒙太奇流派的一代大师。
最能体现爱森斯坦理论的作品是《战舰波将金号》(1925)，这是一部美与力的杰作。在“水兵砸菜盘”、“敖德萨台阶”等片断中，爱森斯坦选用了具有强烈感染力的手段，制造了富于震撼力的效果。可以说，人们观看《战舰波将金号》犹如欣赏一首回肠荡气的古典名曲，它给人的感受不是从眼睛到头脑，而是从眼睛直达心灵。《战舰波将金号》确立了爱森斯坦的前苏联蒙太奇学派主帅的地位。
前苏联的蒙太奇学派，将蒙太奇手法系统化理论化。发展了电影艺术对于时间和空间的控制，通过对不同的镜头进行剪接拉长现实时间，突出电影作者要表达的内容，同时通过剪接镜头也表达出了与原有镜头素材的不同的概念。（蒙太奇观中，镜头A不仅仅是与镜头B先后出现，也不是A和B加在一起成为“A+B”或“AB”，而是产生了一个全新的意识“X”。）蒙太奇学派发展开阔了电影的创作手法，也突出了电影艺术与其它艺术种类的不同。他们相信一旦采用剪辑的手法，电影就有了无限的潜力，蒙太奇简直就是支配观众思想和联想的一个有益的指挥者。

❾ 电影大师安东尼奥尼

1942年，他与罗伯托·罗塞里尼（Roberto Rossellini）合作写出《飞行员的归来》（Un pilota ritorna）的剧本，也在Enrico Fulchignoni的电影《I e Foscari》之中担任助理导演。1943年，安东尼奥尼去法国协助马赛尔·卡尔内拍摄《夜来恶魔》（Les Visiteurs soir，又译为《夜间访客》或《夜间来客》）。安东尼奥尼在1940年代开始拍摄短片，《波河的人们》（Gente del Po）是说在波河贫穷渔夫的故事（安东尼奥尼自1943年到1947年在波河工作）。这些短片是新写实主义（Neorealism）的风格，有着对当地居民的生活作半纪录片的研究。
然而，安东尼奥尼的第一部长片《爱情编年史》（Cronaca di un amore，又译为《爱情纪录》、《爱情故事》、《爱的故事》、《爱情纪事录》或《某种爱的记录》，1950年）借由描写中产阶级而逃脱了新写实主义。他继续创作一系列的影片：《失败者》（I Vinti，1953年），是叙说在不同国家（法国、意大利与英国）所发生的青少年犯罪系列故事；《不戴茶花的茶花女》（La Signora senza camelie，1953年）描述一个年轻的电影明星与她的堕落；以及《女朋友》（Le Amiche，1955年）叙述都灵的中产阶级妇女。《公路之王》（Il Grido，又译为《喊叫》、《流浪者》、《呐喊》，1957年 ）重新回到工人阶级的故事，叙述一个工厂的工人和他的女儿。每一个故事都与社会异化（social alienation）相关。

1972年，在《无限春光在险峰》与《过客》之间，安东尼奥尼受中华人民共和国政府的邀请，在文革结束之后访问中国。他拍了纪录片《中国》（Chung Kuo - Cina），但是该片却被中国当局以“反华”与“反共”为理由严厉谴责。这部纪录片在中国的第一次放映是2004年11月25日在北京，由北京电影学院举办的一个纪念安东尼奥尼贡献的影展之中。

1980年，安东尼奥尼拍了《奥伯瓦尔德的秘密》（Il Mistero di Oberwald），这是一部在色彩电子处理上的实验：先用电视摄影机拍摄（使用625线、50图场的格式），再转成胶卷，跟一般直接用胶卷底片拍摄的手法不同。这也是首度用电视摄影机（video）拍摄一部长片，可说是数位电影的先锋。该片由时常与安东尼奥尼合作的女星莫妮卡·维蒂（Monica Vitti）主演，改编自尚·科克托（Jean Cocteau）的故事《双头鹰之死》（L'aigle à deux têtes）（尚·科克托于1948年拍过同名电影《双头鹰之死》）。
电影《一个女人的身份证明》（Identificazione di una donna，1982年 ）在意大利拍摄，主题又再次处理三部曲系列的相同议题。
1985年，安东尼奥尼中风，让他半身瘫痪，无法言语。然而，他继续拍片，包括与文.温德斯（Wim Wenders）合拍的《云上的日子》（Al di là delle nuvole，又译为《在云端上的情与欲》，1995年），将他的四个短篇故事改编搬上银幕。文.温德斯担任候补导演，并负责拍摄四段影片中的桥段。这部影片在威尼斯影展中与《三轮车夫》（Cyclo）同时获得影评人费比西奖（FIPRESCI Prize）。
同年，他获得美国奥斯卡终身成就奖。颁给他的是杰克·尼科尔森。数月之后，小金人被夜贼偷走，后来又被偿还。在这之前，他曾因《春光乍现》入围奥斯卡最佳导演与最佳剧本奖。
安东尼奥尼最后一部电影，是在他90多岁时拍的，是一部电电视系列剧（anthology film）《爱神》（Eros，2004年）的其中一段〈欲〉（Il filo pericoloso delle cose）。本片制作的原始动机是向安东尼奥尼致敬，最终由三部短片构成；公开表明深受安东尼奥尼影响的导演王家卫和史蒂文·索德伯格各拍了一段，加上安东尼奥尼自己的注脚。这个短片集是由许多朦胧的构图与卡耶塔诺·维罗索（Caetano Veloso）所作曲并演唱的歌曲〈米开朗基罗·安东尼奥尼〉所架构而成。
这部影片的美国DVD发行时包含了安东尼奥尼另一部在2004年拍的短片《米开朗基罗的凝视》（Lo Sguardo di Michelangelo）。
安东尼奥尼于2007年7月30日逝世于罗马，享年94岁，另一个伟大的电影导演英格玛·伯格曼也在同一天过世。安东尼奥尼的遗体目前放置在罗马市政府，直到2007年8月2日的丧礼。市政府也在灵堂设了大萤幕呈现安东尼奥尼黑白的连续画面，包括了影片的背景与后台。

电影历史学家弗吉尼亚·莱特·魏克斯曼（Virginia Wright Wexman）叙述安东尼奥尼对于世界的观点，是一种“后马克思主义（postreligious Marxism）与存在主义知识份子”的方式。[10] 安东尼奥尼在戛纳的一段致词说到关于《情事》（L'Avventura，1960年）。他说在这个理性与科学的现代世代，人类始终借由著“苛刻且死板的道德被认为且承担了懦弱与全然的怠惰”存活。他说电影能够洞悉矛盾－我们非常仔细的去审视那些道德看法，我们细心研究且分析他们直到筋疲力尽。我们有能力作，但我们没有能力去发现新的方式。[11]九年后他在一个访谈上也表示了相同的看法，他说，他蹭恨道德这个字：当人变得安于自然，当精神空间变成他真正的背景，这些字和看法（指道德）将会失去它们的意义，而且我们也不再需要使用它们。
因此，安东尼奥尼电影当中循环的主题之一，就是忍受倦怠（ennui）的主角们的生活除了声色之娱的满足或物质财富的追求之外，皆空虚且毫无目标。电影史家大卫·鲍得威尔（David Bordwell）写说，在安东尼奥尼的电影中，假期、派对、以及艺术的消遣追求，都无法掩饰主角目标与情感的缺乏。性行为是随意的诱惑，且主角不惜任何代价地追求财富。
安东尼奥尼的电影倾向于省略情节与对话，且大部分的时间都花费在徘徊特定的境景，例如在《过客》（Professione: reporter，1975年） 中十分钟的长镜头，或者在《欲海含羞花》（L'Eclisse，1962年）中莫妮卡·维蒂（Monica Vitti）好奇的瞪著电子看板，搭配着环境音与电路当啷声。弗吉尼亚·莱特·魏克斯曼（Virginia Wright Wexman）是如此解释他的风格的：
“...摄影机放置在中景远比特写多，频繁地缓慢移动，镜头容许借由著剪接以延长连续性。如此一来每个画面会更复杂，比一般较小环境被构筑的那种风格，能够乘载更多的资讯…在安东尼奥尼的作品中我们必须详细的了解他的画面，他迫使我们所有的注意力借由著持续的镜头，直到镜头被剪断...”
安东尼奥尼也被受瞩目，因其在他的电影风格中开发了色彩为重要的表现元素，特别在他的第一部彩色电影，《红色沙漠》（Il Deserto rosso，1964年）片中。

大卫·鲍得威尔（David Bordwell）认为安东尼奥尼的电影在艺术电影有巨大的影响力：“比起其他导演，他更能鼓励电影工作者去探索简约风格且开放结局的叙事方式”。
安东尼奥尼的简约风格与无目的的角色并不被所有的评论者所欣赏。英格玛·伯格曼曾说他欣赏一部分安东尼奥尼的电影因为影片中不带感情且有时带有朦胧的特质。然而当他想到《春光乍现》与《夜》时，他称安东尼奥尼其他的电影很无聊，并说他不了解为什么安东尼奥尼这么受尊敬。