第一次为爱情鼓掌电影

① 死于威尼斯的简评

与其说这是一部关于爱的电影，不如说这是一部艺术家关于生命主题的电影，作曲家马勒──作家托马斯·曼──导演维斯康蒂──作曲家古斯塔夫，这一系列与这部电影有关的艺术家，他们同为艺术家的身份，同为同性恋（或是双性恋）的性别角色， 他们象是上帝塑造的雌雄同体者，既有男性身上的焦躁与暴虐，又有女性身上的娇弱与阴柔，于是我们在感知他们对青春与美的敏感的同时，更能感觉到对生命与时光流逝面前的脆弱与恐惧……
对于影片本身，特别值得一提的是导演维斯康蒂高超的讲故事方式，故事只有两个主人公，而在两个主人公之间几乎没有语言，甚至没有发生任何实质性的接触与冲突，但故事却讲的扣人心弦，探究其技巧，你会发现导演在片中暗藏了两条非常具有叙事意义的悬念线索：第一、两个主人公之间的情感纠葛到底将如何发展，源自于作家曲家内心的爱情的渴望究竟是否能够从精神层面走向现实；第二，就是作曲家对于威尼斯霍乱病情的质疑与调查。这两条线索不但使观众充满好奇与充满兴趣地随着导演的镜头进入故事本身，更让霍乱笼罩下的威尼斯不但成为故事的情节推进线索更有机地成为故事的背景与主人公的情绪波动的外动力，更在影片的影像风格上立下汗马功劳，消毒、火烧地水城、潮热躁动的天气，不但加剧了作曲家的焦躁和沮丧、感官与精神的最后搏斗，更让他对生命流逝的痛惜之感极致到苍白无力与奄奄一息。那个如希腊神话中的美少年一般的男孩塔齐奥拯救了古斯塔夫的生命感，也将他送上挣扎的极限，塔齐奥在故事中看似暧昧甚至挑逗的展现过程，观众们会慢慢发现原来所有的爱情根本不是发生于现实，一切仅仅发生于古斯塔夫的内心，是古斯塔夫意想中自编自导自演的爱情故事而已，塔齐奥是一个在古斯塔夫目光中跑动的完美形体，他是爱与美的具体化身，是古斯塔夫燃尽生命的导火线，其实完全是古斯塔夫生命中回光返照的瞬间的而已，如同卖火柴的小女孩子眼前的那壁炉里那一炉暖暖的火，这一切仅仅是古斯塔夫悲剧生命乐章的华彩的最后几个小节。
特别值得一提的是导演设计的两个主人公的第一次见面的时候，镜头在主、客观之间转换，在古斯塔夫与维斯康蒂之间自如娴熟的频繁转换，让 古斯塔夫的精神性力量，--颓败的力量，不断地自言自语让人进入了一个纯粹的内心世界，而忘记影像里海滩、游客、餐厅、礼仪等等可见的存在。同时维斯康蒂对这个物的存在依然使用他偏爱的大幅度横摇镜头，从事物之上、从人们面前一一经过，他总是要把一个完整的世界留下来，并从这个现实的物的世界抵达另一端。同时影片中对于情感的实质没有任何语言的表现，只是充满了马勒的音乐，音乐成为影片中的另一个角色，另一个叙说者，导演把与这部影片有关的马勒以这种方式带入进来，主观音乐的铺陈，影片中客观音乐的表现，塔齐奥看钢琴表演，自己弹钢琴，小乐队的表演等等，都使得影片中的爱与美、生命的鲜活与垂老的无力的演绎增添了无尽的力量……
《魂断威尼斯》是德国作家托马斯-曼的经典之作。该作品以马勒为原型，描述了中年作曲家阿钦巴赫在威尼斯爱上了美少年塔奇奥，最后因瘟疫暴发而惨死。
《威尼斯之死》（Der Tod in Venedig）是很一部很难看的小说，难看到没办法看电子版。这部小说情节很简单：一位声名煊赫的中年作家，因为过渡工作而陷入创作危机，于是他前往威尼斯旅行休养，在那里遇到一个美丽的波兰男孩。作家遇见他，观察他，尾随他，但同时避免和他的任何接触。随后，瘟疫开始在威尼斯蔓延，而作家却不忍离去，凝视着在蔚蓝的海滩上徜徉的男孩，死在海滩边的躺椅上。
这部小说很安静，安静到整部小说里只有一个人，只有中年作家阿申巴赫一个人的爱、欲和死亡。
爱你就像爱生命，阿申巴赫就是这么爱着波兰男孩塔其奥的。在旅馆的餐厅里甫一相遇，阿申巴赫便立刻为他神魂颠倒，从此不得解脱。他变态狂般的观察他、赞美他、跟踪他、对他热情赞美，曲意逢迎。同时却又像个怀春少女般躲开他，只在远处小心翼翼的相思，如痴如醉的爱慕。他甚至甘愿冒着身败名裂的危险，对这段同性之爱、恋童之爱不加收敛。爱情来了，夏天来了，瘟疫也来了，游客们纷纷逃离这座死亡之城，可是他留下了，留在大海身边，留在塔其奥身边，同时也留在死亡身边。
小说的前半部分，阿申巴赫对塔其奥的爱，初并没有性的成分。“这是爱神的头颅，有帕罗斯岛大理石淡黄色的光华。他的眉毛细密而端庄，一头鬈发浓密而柔顺地一直长到鬓角和耳际”，这个古希腊神话般的美少年！他阔气、纤细、骄纵，他轻巧、洒脱、傲慢，他轻蔑、易怒，却又楚楚可怜。阿申巴赫目眩神迷，却拼命克制自己，用那种他赖以生存的、通过长期训练得来的作家的理智，来解释这个美丽的男孩：我是作家，作家爱美，而他就是美本身！就算阿申巴赫借助托马斯曼特写镜头式的语言，仔仔细细的欣赏遍了塔其奥的全身：他的金发、下巴、手腕、腋毛、肋骨，汗毛、膝踝，甚至还有足趾球！（笔触如此甜腻，生理不适顿起），阿申巴赫仍旧自欺欺人，坚信自己的爱是如“慈父般的”“艺术家的”，而塔其奥对于他来说，只不过是“精神美的化身”。
他继续徜徉在威尼斯污秽的河道间，拼命呼吸着塔其奥遗留下的味道。他重拾笔墨，完成一篇温柔细腻、情意绵绵的散文，其间闪动着“爱神的光辉”。然而短暂的创作欢愉，并不能组织他感到精疲力尽并心怀罪恶。这之后的时光，他张皇、嫉妒、痛苦、乾涸，他自说自话的感到，在塔其奥和自己之间，正存在着某种不为外人所知的默契与亲昵。然而不管是幻是真，或者几分幻、几分真，这种隐秘的亲昵感和暧昧感，就已经让他失去了清白，一个冷静自持的中年男人的最后清白。闸门大开，洪水滔天而来。他成瘾似的尾随着塔其奥，只要能看着他，他就心花怒放、欣喜若狂，偶然跟丢了就立刻气急败坏，突然间又在一条没法回避的羊肠小道上相遇，他又情怯到魂飞魄散，或者干脆跑到酒店里塔其奥的房门前如痴如醉、疯疯癫癫的傻站着，完全忘记了尊严和体面。而他到理发店去，像个娘们儿似的梳洗化妆，更是不堪到极点。接着，他做了一个梦，在那个狂欢的梦里，人们口吐白沫，手舞足蹈，像是一个原始粗野的献神仪式，男男女女猥亵着、挑逗着、呻吟着、滥交着，肮脏、腥臭又嗜血，他感到又凄婉又颓靡又恐惧。这个荒诞淫秽的梦当然饱含着性意味。阿申巴赫挣扎着醒过来，到了这一步，关于艺术家、精神美的那一套托词，连他自己也不能说服了，他感到心神恍惚，好像被魔鬼玩弄于鼓掌之上却又无法挣脱，他彻底被肉体的欲望俘虏了。
但阿申巴赫终归是要死在这靡丽的威尼斯的。《威尼斯之死》，书名就已经揭晓了结局，所有的悬念，不过是这死亡何时到来、怎样到来和为什么到来。爱和死从来就是孪生，深陷爱欲时的沉醉、迷狂、战栗和恐惧，大约只有死可以比拟。死亡，是整部小说巨大而幽暗的背景，爱情不过台前的低吟浅唱，待到曲终人散、人去楼空之际，死亡就显得愈发深沉而永恒。从这个意义上来看，整部小说就是一个死亡陷阱，一场无法逃脱的宿命。
死亡的宿命开始于一个偶然的相遇。春日的午后，他外出散步，偶然到来的雨，使他取道北部墓园（注意这个地点），在这里他偶然遇见了一个形容怪异的异乡人，因为此人的异域装扮，让他突然有想要去旅行的念头。于是他打点行装，一路逶迤去了浮华绮丽的威尼斯，并死在那里。如果细心阅读就会发现，阿申巴赫这一路遇到的所有人，各个都光怪陆离。诡异莫测。按顺序挑出几个重要的人物：北部墓园的陌生人、山羊胡子的人、船上那个涂脂抹粉的老头儿、贡多拉划船人、唱歌者以及塔其奥。
托马斯曼花费了大量笔墨来描写这些人的形貌特点，在这里，可以做一个对比：
北部墓园的陌生人：他中等身材，瘦棱棱的，没有胡子，鼻子塌得十分显眼。他是那种红发型的人，皮肤呈奶油色，长着雀斑。他显然不是巴伐利亚人，因为他头上戴着卜顶边缘宽阔而平直的草帽，至少从外表看去是一个远方来客，带几分异国情调。不过他肩上却紧扣着一只本地常用的帆布背包，穿的是一件缠腰带的淡黄色绒线衫一类的紧身上衣，左臂前部挟着一件灰色雨衣，手臂托着腰部，右手则握着一条端部包有铁皮的手杖，手杖斜撑着地面，下身紧靠着手杖的弯柄，两腿交叉。他仰起了头，因而从松散的运动衫里露出的瘦削脖子上赫然呈现出一个喉结；他用没有光泽的、红睫毛的眼睛凝望着远方，中间两条直而明显的皱纹与他那个塌鼻子衬托着，显得相当古怪。也许是他站着的位置较高，使阿申巴赫对他有这么一个印象：他有一种盛气凌人的、勇悍的甚至是目空一切的神态，这可能是因为他被夕阳的光辉照得眼睛发花，显出一些怪相，或者面部有些畸形的地方；他的嘴唇太短而向后翘起，从牙肉那里露出一排又长又白的牙齿。
山羊胡子的人：在小舱的桌子后面，坐着一个嘴角叼着烟头、帽子一直歪戴到脑后并且长着山羊胡子的人，他的脸相有几分象旧时的马戏团老板。他胡乱地写了一通，拿起一只匣子把蓝色的沙子撒在纸上，然后把沙子放到泥罐里去，用焦黄的、瘦骨鳞峋的手指把纸折好，重新写起来。“到威尼斯去旅行，这个地方拣得好！”他一面写，一面喋喋不休地说。“啊！威尼斯！多美的城市！对有教养的人来说，这个城市有一种不可抗拒的吸引力，因为它过去有一段光荣的历史，现在还是很有魔力！”他行动敏捷，空话连篇，有些招摇撞骗的味儿，好象他担心那位旅客威尼斯之行的决心还会动摇似的。
船上那个涂脂抹粉的老头儿：他的眼圈和嘴角都布满了皱纹。他面颊上的那层淡红色不过是胭脂；周围镶有彩色花边的巴拿马草帽下面棕色的头发，其实却是假发；脖子萎缩，青筋毕露，一根根翘起的胡子和下巴下面的小络胡须，都是染过色的；他笑时露出的一口黄牙，只不过是一副起码的假货；两只食指上戴着印章戒指，一双手完全象老年人一样。
贡多拉划船人：这时对方站在他后面稍稍高出的甲板上，铅灰色的天空下面赫然耸现着他的身影。这个人的容貌不惹人喜欢，甚至有些凶相，穿的是一件蓝色水手式服装，扣着一条黄色佩带，戴的是一顶不象样的草帽，草帽不很规矩地歪戴在头上，帽辫已开始松散。从他的面相和塌鼻子下一抹淡黄色卷曲的胡须看来，他一点也不象意大利人。尽管他的体格不大魁梧，因而不能指望他的摇船本领特别高强，但他使劲地划着，每打一次桨都施展出全身力气。有时由于用力过度，他的嘴角翘向后面，露出一排雪白的牙齿。他皱起淡红色的眉毛，用坚决的、几乎是粗鲁的语调两眼朝天地冲着乘客说：“您到海滨浴场去。”
歌唱者：这人身材瘦削，面容憔悴，一顶破旧的毡帽在后颈上搭拉着，帽沿下面露出乱蓬蓬的红发。他站在沙砾地上跟同伴们离得远远的，一副大模大样的姿态；他拨动着琴弦，向露台上送出一支诙谐而逗人的曲调，由于鼓足了力气，额上青筋毕露。他不象是威尼斯人，倒有几分象那不勒斯的丑角，身上兼有男妓和伶人的味儿，下流粗鄙，大胆狂妄，但却颇有风趣。他唱的歌词十分无聊，但通过他脸上的种种表情和身体各部分的摆动，挤眉弄眼，惺惺作态，舌尖在嘴角上滴溜溜的滚转，似乎吐出了某种含糊不清的意义，听起来隐隐有些刺耳。他穿的是一套城市里流行的服装，从运动衫松开的领口里露出了瘦棱棱的脖子，脖子上赫然呈现一个大大的喉结。他面色苍白，塌鼻子，从他没有胡子的脸上很难判断出他的年龄。他脸上布满了皱纹，丑相毕露，这是沉涧于酒色的痕迹；在两道红茸茸的眉毛中间，直挺挺地刻着两条纹路，有一股盛气凌人、睥睨一切的神态。
塔其奥：他体弱多病吧？因为在一头金色浓密鬈发的衬托下，他脸上的肤色白得象雕琢成的象牙一般。不过他也注意到，塔齐奥的牙齿长得并不好，有些参差不齐，白里带青，缺乏健康的珐琅质，显示出贫血患者牙齿上常见的那种脆而透明的特色。“他体弱多病，”阿申巴赫想，“他也许活不到老。”
除了对塔其奥的描写，从近处看，每一段都在描述一个不同的对象，但是离远了看，却觉得这些人长得实在很像,比如体形都是瘦削，都有红头发、胡子或者眉毛，都有一个塌鼻子，面相都非常粗野，不讨人喜欢，都是牙齿裸露或者喉结突出，都戴帽子，而且他们通通都不是本地人。托马斯曼好歹也拿过诺贝尔文学奖，把人都写成一个样子，必定藏有深意。这个深意，没有一点欧洲文化底子，一时半会儿还看不大出来。欧洲悠久的死亡文化塑造了一系列死神形象。古希腊神话中的盗贼与引领之神，是赫尔墨斯。作为黄泉引路人，每个濒死之人，都须由他引向深沉的死之王国。一只公元前5世纪出土的一个花瓶保存了他的最初形象：着山羊胡子、身穿异乡人的服装，带一顶宽阔平直的帽子，拿着手杖，是一副漫游者的形象。古罗马时期的死神，是个美貌的少年，他皮肤苍白，金发柔软，背生双翼，站立时双脚交叉。中世纪的死神形象家喻户晓，当然是一副骷髅，它形削骨立，鼻子塌成一个坑，由于没有嘴唇而牙齿尽露，脖子萎缩，喉结巨大，这个骷髅形象也总是与红色的血或者火相联系。这些死神们和阿申巴赫沿路遇到的众人何其相似！
抛开外在形象不谈，这些形象的所在、所说和所作，也都诡谲不可解，并引起了阿申巴赫的或微妙或强烈的心理反应。某个初春的下午，当阿申巴赫正置身十字架、神位牌、纪念碑之间，思考着“彼等均已进入天府”“愿永恒之光普照亡灵”这些墓志铭的深邃意味时，那个形似希腊死神赫尔莫斯的陌生人，一副漫游人打扮出现在北部墓园，他一言不发，只”直楞楞地回瞪他一眼，目光恶狠狠地富有敌意，有一种迫使他的眼锋缩回的威力”，只是这一眼，就使阿申巴赫心思混乱糟糟的，突发奇想的想要去漫游，像年轻人那样。终于，他打点行囊，满怀欣喜的踏上这条死亡之路。
他先是去了一个小岛，无聊沉闷使他赶往码头，迫不及待的想要离开，随便去哪都行。而这时码头上只停靠着一直船，它的目的地是威尼斯。驼背船员将阿申巴赫引到山羊胡子男人那里，这个手指焦黄、瘦骨嶙峋的男人高声喧哗着，“好象他担心那位旅客威尼斯之行的决心还会动摇似的”，他如此殷勤：“能够侍候您，我感到不胜荣幸！……再来一位！”他接下去马上扬起胳膊喊着，象有一大批旅客鱼贯地等在门口，虽然，实际上再也没有什么人要办手续。这只通往威尼斯的船，这个山羊胡子的男人，似乎都只是专门为了阿申巴赫而来。
至于船上那位涂脂抹粉假扮年轻人的老人，更是怪异之极。且不说他这套打扮，单是想到为了讨好波兰男孩，阿申巴赫最终也去涂脂抹粉，就让人怀疑那是否仅仅是个离奇的巧合。更别说抵达威尼斯之时，这个老人喝得烂醉却向阿申巴赫来告别：他嘴里淌着口水，眨巴着眼睛，舔着嘴角，下巴上染过色的胡子在衰老的嘴唇旁边一根根直竖起来。“请代向我们问好，”他嘟哝着，两个手指尖头一直放到嘴边，“请代向我们为那个亲爱的美人儿问好，为那个……最最……可爱的、最最……漂亮的小亲亲问好……！”初听此言，当然觉得毫无意义，可是这个“亲爱的美人”“小亲亲”到底是谁，看完两万字，就觉出深意了。
贡多拉划船人是最显性的死神形象。在古希腊神话中，卡隆是摆渡亡灵到冥王普路托地界的神。《神曲》有一张专门描写冥河船夫卡隆与亡灵摆渡。阿申巴赫到达威尼斯，遇到的第一个人就是这个船夫。这个船夫并没有按照阿申巴赫的的意思驶向汽船码头，而是自说自话，粗鲁而固执说：“您到海滨浴场去”。海滨浴场上有什么呢？当然有大海，海滩上惬意的人群，以及美丽的波兰男孩塔其奥。这一段摆渡，靡丽而又凶险。初春的威尼斯却又了夏日的炎热，暖风吹来，清爽宜人，从游船上的喧嚣到这安静的海面，威尼斯显得异乎寻常的美，但是与这美相伴的，确实漆黑的贡多拉和沉默的划船人。托马斯曼这样描写贡多拉：这是一种从吟咏民谣的时代起就一直传下来的稀有交通工具，船身漆成一种特殊的黑色，世界上只有棺木才能同它相比——这就使人联想起在船桨划破水面溅溅作声的深夜里，有人会悄悄地乾着冒险勾当；它甚至还使人想到死亡，想到灵枢，想到阴惨惨的葬礼和默默无言的最后送别。而划船人拥有一副死神的面貌，而且说话神秘莫测，比如阿申巴赫询问船钱时，他的眼睛越过他的头顶瞪着前方，生硬的回答：反正您会付的。船夫将阿申巴赫摆渡到海滨浴场去，去遇见美丽男孩塔其奥，就像摆渡一个濒死的亡灵去往冥界，将他交给另一个美丽的死神，也是他的至爱和宿命——塔其奥。而阿申巴赫则对此一无所知，他能想到最凶险的，不过是这个船夫想要敲诈他的钱，而不会想到，他想要的其实更多。
唱歌者这个形象出现时，阿申巴赫已经深陷爱欲不能自拔。但阿申巴赫却第一次从廉价的天下太平里、从这温良谄媚的歌者身上，结结实实地触摸到了死亡的形状——这个歌者身上弥漫着石炭酸的味道，这是药水的味道，瘟疫的味道，死亡的味道。阿申巴赫第一次，第一次和这个死神幻想进行了关于死亡的谈话。他想发现这个城市的秘密，关于瘟疫的秘密，但是这个死亡之身，却油腔滑调的玩推手，告诉阿申巴赫这个注定死去的人，一切太平。花园餐厅里歌声徜徉，人们欢声笑语，小丑们滑稽的唱着最流行的淫词艳曲，这个城市已经被死神所诅咒，而这个秘密只有阿申巴赫一人知晓，而他却同时和这个城市分享着另一个秘密，一个违反宗教、伦理和道德的关于爱情的秘密。两个都必须死去，这个城市和这个人。但是为什么呢？为了悖伦？贪婪？纵欲？或是一切都只是巧合？故事的高潮在小说的最后一页。阿申巴赫死去了，也许是感染了瘟疫。这个死亡并不意外，从小说第一页开始，读者就做好准备，面对这个最终的、无法逃离、无法摆脱、必然的死亡。
从小说整体结构上来看，每一个人都是必须的。他们像是众多死神的化身，每时每刻，在每一个关节处，或鼓励、或带领、或规劝、或逗引，以确保阿申巴赫始终不偏离死亡这个根本主题。从这个意义上说，这部小说的真正的主角从来就没有出场，阿申巴赫只不过被一种更为神秘而巨大的力量所驱遣，奔向他的爱和欲望，奔向他最终的堕落和灭亡。

② 电影长镜头是什么意思 长镜头 是什么意思

看电影时,怎么区分长镜头和短镜头

长镜头就是中间不带剪辑的镜头，也就是像你人眼看的，一路扫过去。

短镜头是片段的，有很多的剪辑。

电影中的长镜头指的是什么?

影视中的长镜头：时间长的镜头

摄影中的长镜头：距离远的镜头

电影长镜头的定义究竟是怎样的

在时间概念上，是指对一个运动画面较长时间的连续不间断地表现，保持运动着的画面的整体性。在达意概念上，长镜头是相对于短镜头，用来描述在单个镜头内实现多个表意，提供丰富内容的镜头。实际上就是长时间拍摄的、不切割空间、保持时空完整性的一个镜头。此镜头在同一银幕画面内保持了空间、时间的连续性，统一性，能给人一种亲切感、真实感;在节奏上比较缓慢，故抒情气氛较浓。

电影中说得伪长镜头是什么

特效＋剪辑制造的“伪长镜头”

长镜头,因为难拍，电影史上那些经典的长镜头弥足珍贵。但如今，无孔不入的数字技术正在冒犯它、颠覆它……

电影里的长镜头专业的解释是：一气呵成的长时间不间断镜头，所谓“一镜到底”。

不过，现在这个定义恐怕要改了。伪长镜头的拍摄过程准确说来，是“拍摄＋制作”的过程。许多人因此第一次知道，原来这个“长镜头”做了多项特效处理，而且是由若干个镜头剪接而成。

这是技术对艺术的又一次冒犯。关于长镜头存在的意义，法国电影新浪潮的精神之父安德烈·巴赞有一著名论断：用时空的真实性来体现电影的真实性。但如今，无所不能的技术正在将其颠覆。有业内人士称，当长镜头可以借技术手段制造，也就意味着它的终结。

那些弥足珍贵的经典长镜头

曾经，长镜头被视为电影艺术手段的制高点——这里说的手段，为的是实现“一镜到底”。导演胡雪桦说，一个短短三五分钟的长镜头， *** 了演员表演、人物调度、镜头运动、灯光布控、场景转换和行进线路等多个环节，需要调动摄影车、稳定器、滑轨、摇臂等各种设备，拍上一两天是常事。由于不能剪接，长镜头须得严格计算、完美操控，一着不慎，满盘皆输。正因为难拍，所以能不能拍好长镜头，就成为测量导演功力的一张重要试纸。

2004年，杜琪峰凭借《大事件》的开场长镜头获得了第41届台湾电影金马奖最佳导演奖。这个时长近7分钟的镜头里包含了两次镜头升降和一次360度回旋，警察、匪徒和记者在一条街上有序交错，整个火拼场面复杂、炫目，却不凌乱。为拍好这个长镜头，剧组先花1天时间演练，正式拍摄用了2天。

伪长镜头就是长镜头从原先的艺术手段蜕变成了一种特效，内涵随之完全改变。

当数字化可以制造出一切假象，这是电影技术的进步，却是电影艺术的退步。为什么我们需要长镜头？不错，你可以把电影理解为造梦的艺术，但即使造梦也需要真实感，而长镜头正是为营造真实感而存在。按照安德烈·巴赞的理论，长镜头之不同于蒙太奇，就因为它保持了拍摄中时间、空间、过程、气氛和表演的真实性，排除了作假和替身的可能；它强调导演自我的消除，避免了镜头切换带来的主观性，用画面固有的原始力量打动观众，把对事物和事件的解释权交给观众。而现在，无孔不入的数字技术却要消解长镜头的意义。

最后介绍你一部刚刚获得奥斯卡最佳影片奖的《鸟人》里面的伪长镜头非常多，给人很大一镜到底的感觉，但都是后期处理的结果，该片也因为给人一气呵成的感觉而夺得桂冠。

很多解释都是从网上找的你有兴趣的话可以自己研究一下，出处 [tieba.]

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从头到尾只用一个长镜头拍的电影是哪一部？

俄国大导演苏古洛夫(AexanderSokurov)的《俄罗斯方舟》全片96分钟只用一个镜头拍成，成了2002年世界各大影展的传说，而且还创下影史上的两个纪录：一、最长的长镜头；二、第一部只用一个镜头的长片。

电影中几秒以上算长镜头

我们老师讲的是：没有固定的标准

如果是一部抒情的，通篇镜头剪辑都很慢 平均都能在10秒左右（这个有点极端），那这样的话10秒的肯定不算长镜头，估计三四十秒钟才能算；

但是如果是一部风格伶俐平均镜头长度就很少，那样的话十几秒应该也能算得上长了。

不过就平时看电影来说，10秒也不算很长，即使真的有分界线也不该是10秒，但是楼上说的120也太长了点，可能三十秒左右比较合适...现在很多电影开头或结尾都很喜欢用长镜头，比如《云水瑶》开头没记错的话做了个3、4分钟的镜头，个人觉得如果真的导演有意留长镜头给观众看，必然能让细心地观众看出来，还是比较好辨认的~~O(∩_∩)O~

世界电影中的十大经典长镜头

一、《站台》的二人世界： 就我看来，《站台》是贾樟柯迄今为止最出色的一部电影，影片通过时代的变迁传达出太多复杂的情绪，而贾樟柯的长镜头电影美学也在影片中得以完美的呈现。在那个最让人津津乐道的段落中，长镜头沉稳地记录着一切，城墙上的二人世界也不再是温馨和甜蜜。尹瑞娟和崔明亮一人一句，一对一答，一出一进，呈现出一种情感上的疏离，也预示着两人今后很难聚合在一起！

二、《冬荫功》的打斗： 长镜头并不是现实主义影片或者文艺电影的专利，在泰国商业大片《冬荫功》中，导演巴猜平桥就令人惊讶地创造出一个四分钟的打斗长镜头，让动作巨星托尼贾从楼下一直打到楼上，而且时常采用不同的方式来击倒对手。这的确需要相当深厚的执导功底，各方面的准备工作都要考虑周全，因为稍有不慎就要NG，前面那一系列的拍摄努力都会付诸东流！

三、《大事件》的开头： 从一个匪徒走上楼去同团伙会合，到楼下街道上重案组警员的守株待兔；从匪徒同巡警的小小纠纷，到重案组故意制造纷争来引开巡警......直至最后的 *** 街头火拼，《大事件》开头的7分钟长镜头运用了灵活异常的镜头内部场面调度，为我们记录了同一时间段中所发生的一系列事件。没有任何奇观式的动作展示，只有匪徒、警察两大团体的各自活动和最后的动作交汇。抛弃了强制性的画面剪接，长镜头的银幕时空看起来更自然！

四、《爱情万岁》的哭： 哭！又哭！还是哭！一个劲的哭！哭得没完没了！怎么还再哭啊！该哭玩了吧！我想这大概就是观众在毫无心理准备的状况下看《爱情万岁》结尾时的感受。蔡明亮那长达七分多钟的长镜头一动不动，将这个女人的感情宣泄残忍地记录了下来。无尽的泪水引诱我们进入她的世界，跟着她一起心碎，一起伤悲

五、《雨月物语》的超现实主义： 沟口健二的《雨月物语》中有一个震惊世界影坛的长镜头：男主人公源十郎从正门走进家中，发现里面空无一人，于是一边喊着妻子的名字一边从侧门走了出去。镜头从侧门又重新摇回正门，我们可以从窗户的缝隙间看到焦急寻找的源十郎，他转了一圈重新从正门中走了进来。而这个时候，我们惊奇地发现，宫木已经安静地坐在屋子中间围着柴火烧饭了。该长镜头将超现实主义的色彩融入到高超的场面调度技巧中，尽显东方电影之神韵！

六、《德州巴黎》的“独白”： 文德斯的《德州巴黎》展现了时间的绵延，当男主人公塔维斯和曾经的妻子简在那个 *** 小包间中再次相遇时，他背对着简将自己这么多年来的内心感受和苦难经历用一种舒缓的语调娓娓道来。演员哈里·斯坦顿的情感自然流露，完全没有雕琢的痕迹，这也体现了长镜头一大优点，就是给演员的表演带来充分的自由，有助于人物情绪的连贯，使重要的戏剧动作能完整而富有层次地表现出来！

七、《职业：记者》的结尾： 安东尼奥尼的《职业：记者》呈现出现代人身份的迷失和一种无法言说的荒谬感，结尾处那个颠覆传统叙事手法的奇妙长镜头绝对是全片的精华所在。只见洛克躺在一个小旅馆的床上，镜头从装有铁栅栏的窗子缓缓地向外推摄，在扫视整个广场后又从外面的视角向屋内窥探（此间出现了不少看似无逻辑，其实却对事件的发展起到主导作用的元素），而此时的场景则是洛克的死亡，警察的到来和妻子脸上的惊愕之情！

八、《不可撤销》全片： 带有实验性质的《不可撤销》，全片99分钟的时间总共只有10个长镜头，于是每个镜头足足有10分钟那么长。从一开始同性恋俱乐部中晃得令人发晕的阴暗画面到那个长达10分钟的著名 *** 镜头再到最后阳光草地的和谐温馨，导演加斯帕诺实在是有点胆大妄为，他让银幕时间的进程完全违背了物理学上的熵变定律！

九、《夺魂索》全片： 《夺魂索》根据著名案件改编，在影像上却成了希区柯克的一次大胆实验。影片中他把长镜头发挥到了极致，看上去几乎不用剪辑，完全打破了蒙太奇的规则，没有切换，没有正反打，一个镜头从头到尾，完整记录了整个事件的发生过程。但实际上希区柯克还是采用了演员身体逐渐占满整个画面然后拉开等小技巧，使得镜头间的衔接在银幕上呈现出天衣无缝的效果，于是整个摄影就感觉像是一气呵成的模样了！

十、《俄罗斯方舟》全片： 这是一部真正只用一个镜头完成拍摄的长片。整部影片在圣.彼得堡美术博物馆中一气呵成不间断拍摄长达96分钟，索科洛夫的摄影机穿过35个展厅及850人组成的空间，走了两公里多的路程。从古装到时装，在一个个精雕细琢的画面中演员所有的演出都依据事先设计做到精确无误，美轮美奂，真正做到了拍摄时间和电影时间的同步。于是，一个长镜头掠过了俄罗斯300年的浩瀚历史，也成就了电影史上的不朽奇迹。

什么是长镜头?长镜头有什么用?有什么能被称作影史上经典的长镜头?...

长镜头是一种拍摄手法，它相对于蒙太奇拍摄方法。

一、长镜头

（1）长镜头，是指用比较长的时间（有的长达10分钟），对一个场景、一场戏进行连续地拍摄，形成一个比较完整的镜头段落。顾名思义，就是在一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头。这样命名主要是相对短镜头来对称的。摄影机从一次开机到这次关机拍摄的内容为一个镜头，一般一个时间超过10秒的镜头称为长镜头。长镜头能包容较多所需内容或成为一个蒙太奇句子（而不同于由若干短镜头切换组接而成的蒙太奇句子）。其长度并无明确的、统一的规定。是相对于‘短镜头’的讲法。

（2）这里的“长镜头”，指的不是实体镜头外观的长短或是焦距，也不是摄影镜头距离拍摄物的远近，而是拍摄之开机点与关机点的时间距，也就是影片的片段的长短。长镜头并没有绝对的标准，是相对而言较长的单一镜头。通常用来表达导演的特定构想和审美情趣，例如文场戏的演员内心描写、武打场面的真功夫等。

二、长镜头种类

1．固定长镜头：机位固定不动、连续拍摄一个场面所形成的镜头，称固定长镜头。最早的电影拍摄的方法就是用固定长镜头来记录现实或舞台演出过程的。卢米埃尔1897年初发行的358部影片，几乎都是一个镜头拍完的。

2．景深长镜头：用拍摄大景深的技术手段拍摄，使处在纵深处不同位置上的景物（从前景到后景）都能看清，这样的镜头称景深长镜头。例拍火车呼啸而来，用大景深镜头，可以使火车出现在远处（相当于远景）、逐渐驶近（相当于全景、中景、近景、特写）都能看清。一个景深长镜头实际上相当于一组远景、全景、中景、近景、特写镜头组合起来所表现的内容。

3．运动长镜头：用摄影机的推、拉、摇、移、跟等运动拍摄的方法形成多景别、多拍摄角度（方位、高度）变化长镜头，称为运动长镜头。一个运动长镜头可以起到一组由不同景别、不同角度镜头构成的蒙太奇镜头的表现任务。

三、长镜头拍摄的特点

（1）所记录的时空是连续的、实际的时空。长镜头不打断时间的自然过程，保持了时间进程的不间断性--与实际时间、过程一致，排除了蒙太奇通过镜头分切压缩或延长实际时间的可能性。长镜头表现的空间是实际存在着的真实空间，在镜头的运动中实现空间的自然转换，实现局部与整体的联系，排除了蒙太奇镜头剪接拼凑新空间的可能性。

（2）所表现的事态的进展是连续的。用一个长镜头对一个场景、一场戏（一个过程）进行连续的不间断的拍摄，再现了事件发展的真实过程和真实的现场气氛。例如在《中国艺术团访问拉美三国》中，表现朱逢博在圭亚那演唱圭亚那歌曲受到欢迎的段落，由于只能一次拍成，但又要表现演员、观众和现场情境，作者用了一个长镜头来表现，通过镜头的运动来完成分切镜头的表现任务。这个长镜头段落是这样的，朱逢博的近景，演唱；唱完一小节后镜头漫漫拉开，成全景，停三秒，随着音乐的节奏，镜头慢慢右摇，清楚地展现观众欢快的情景；然后镜头移动横扫全场。移动中发现一位黑人观众特别聚精会神，象着了迷，镜头推成他的特写，绕他转180o。这时演唱已快结束，镜头随即又从特写边拉边移退到观众背后，全景透过观众拍台上演员，直到全场欢呼鼓掌，演员谢幕。一个长镜头共3分20秒，唱歌的声音没有间断，镜头在运动中忽而突出细节、忽而强调气氛，保持了整段内容的完整，产生了一种真实、自然、生动的效果。

（3）具有不容置疑的真实性。长镜头具有时间真、空间真、过程真、气氛真、事实真，排除了一切作假、替身的可能性，具有不可置疑的真实性。

（4）与短镜头功能的区别。电影中长镜头和短镜头是两种发挥着截然不同作用的镜头，二者之间的区别主要在于持续时间的长短。摄影机从开机到关机之间的时间长短决定了镜头的长短，即长镜头经常是持续时间比较长，而短镜头反之。长镜头大多应用在纪实的电影作品当中，因为长镜头不间断的记录一件事情，是观众感受到真实的过程，而短镜头由于持续时间短，编创人员有可能把没有关系的镜头接在一起从而产生新的意义，因此短镜头适合于故事片叙事蒙太奇的创作。

四、长镜头理论学

（1）理论学派认为电影在艺术上的特征就是照相的延伸，因此它的本质特征就是“物质现实的复原”，“当影片纪录和揭示物质现实时，它才成为名副其实的影片”。

（2）专家批评蒙太奇理论使电影丧失了真实。专家看来，蒙太奇在拍摄中把一定的事件分割为若干片断，当把它们重新组织起来的时候，不论个别镜头是如何现实主义的，但叙述的实质和思想主要是从这些片断之间的（剪辑）关系中产生的，这个结果的本源在任何具体的因素中都是找不到的。

五、长镜头的美学观

（1）长镜头的出现，被认为是“电影美学的革命”。在这之前，蒙太奇理论作为唯一的电影理论，基本上支配了电影艺术家们的思维活动。人们研究蒙太奇理论，很少涉及电影与照相的关系，也很少从这一角度去研究电影的特性。巴赞标新立异，把电影的特性归结为照相性，并从这一特性出发，强调电影的逼真性、纪实性。巴赞的写实主义的美学思想，以及他总结的景深镜头和长镜头的美学功能，极大地推动了电影语言的发展，带来了电影表现手段的一次革命，造就了新的银幕形态，从某种意义上说，没有长镜头，就不会有现代电影。

（2）长镜头学派对蒙太奇绝对地排斥，认为蒙太奇是“最反电影手段”的。巴赞的理论片面地强调真实地再现生活的原来形态，把一切必要的艺术加工都斥为“不真实”，这种主张容易导致艺术作中的自然主义倾向。

（3）蒙太奇与长镜头是电影表现手段的两大形态，它们虽然有某些对立，但绝非水火不相容，也就是说，我们既要认识电影的“照相本性”，也要看到它的“艺术”的本性，二者是辩证的统一。

六、长镜头附图

电影史上有哪些著名的电影长镜头

1《赎罪》（记不太清了是不是这个电影了）里面有一段很长的长镜头。表现行军队伍之长。有许多影评似乎都对此长镜头下过笔墨，然而我并没有太大感受。

2 《埃伦娜》（同性电影），双女主的吻戏是一个长镜头到底。嗯……个人认为非常非常精彩，长镜头运用也把这个吻表现的一气呵成。不过如果你拒绝断背山一类同志片，这个可掠过。

3 《大空港》。听说这个导演三谷幸喜先生就是很喜欢用长镜头一镜到底的人。但是我只看过这一部电影，就只推这一个。具体要了解其他的你可以网络他的电影。总之大空港就是全片没切过镜头的。看得我捏一把汗。感觉就像看人在水底下憋气多久不出水面一样。

4 《死亡录像》。说实在的，这个伪纪录片到底算不算用了长镜头我也不太懂。因为它有的镜头虽然晃，但真的看不出切过。不禁对演员的表演佩服到五体投地。

5 …… 这个省略号的意思是，有很多电影里有长镜头，但是它们多多少少并不以此长镜头著名，所以就变成了电影中突然出现的惊艳一笔啦。

这个还看平时积累。如果你有把所有长镜头电影都记录下的习惯，以后出汇总肯定很好玩。

（BTW，帮你搜了一下，[guyan.jia.] 这里也有几个汇总。不过以上内容都是我手打的，请尊重原文。三Q）

有一种电影拍摄技术叫长镜头，长镜头到底是什么意思，还有什么叫蒙太奇？法国新浪潮又是什么意思。

所谓“长镜头”，是指在一个镜头里不间断的表现一个事件，或者一个段落，它通过连续的时空运动把真实的现实自然地呈现在屏幕上，形成一种独特的纪实风格。

蒙太奇就是根据影片所要表达的内容，和观众的心理顺序，将一部影片分别拍摄成许多镜头，然后再按照原定的构思组接起来。一言以蔽之：蒙太奇就是把分切的镜头组接起来的手段。由此可知，蒙太奇就是将摄影机拍摄下来的镜头，按照生活逻辑，推理顺序、作者的观点倾向及其美学原则联结起来的手段。首先，它是使用摄影机的手段，然后是使用剪辑的手段。当然，电影的蒙太奇，主要是通过导演、摄影师和剪辑师的再创造来实现的。电影的编剧为未来的电影设计蓝图，电影的导演在这个蓝图的基础上运用蒙太奇进行再创造，最后由摄影师运用影片的造型表现力具体体现出来。

法国新浪潮电影指法国1958年末、1960年代初的新电影制作及创作倾向，其中不少新导演都是《电影笔记》杂志的影评人，包括重要的导演如尚卢高达、法兰苏瓦楚浮、克劳德夏布洛、贾克希维特等人，他们大都崇尚个人独创性，表现出对电影历史传统的高度自觉，体现“作者论”的风格主张，不论在主题上或技法上都与传统电影大相径庭。代表作如亚兰雷内的《广岛之恋》（1959）和尚卢高达的《断了气》（1960）等。

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③ 值得珍藏的5部电影！硬盘删了无数部片子，剩下这5部说什么也不会删了！

硬盘里已经删除了400多部电影，剩下的10部电影不会被删除！因为他们陪我度过了每一个艰难的夜晚！

1、《尽善尽美》豆瓣8.2

“你使我想成为更好的男人。”

我想，这是迄今为止对一个女人最好的赞美了！

这是一部简单的文艺片，没有华丽的特效，仅凭剧情就能赢得好评。泰坦尼克号在那一年几乎完成了奥斯卡大满贯。结果因为这部半路杀出的劲敌，最后没能如愿，所以这部片子还是很有分量的！

影片讲述了判迟祥一个患有强迫症的畅销书作家，一个同性恋画家，一个美丽的餐厅服务员的故事。他们每个人都想拥有美好的生活，但现实告诉他们，生活不可能完美。

爱情可以让两个不完美的人为了彼此变得更好而努力。就像梅尔文愿意从一个“恶心的怪老头”变成一个懂得为了卡罗尔照顾别人的温柔绅士。

其实电影想说的是——我们都曾被现实的不完美所苦恼，但当我们因为一个来自外界的机会而改变自己，成为一个更好掘搏的人时(遇见我们爱的人)，而不是抱怨这个世界。这个变化的过程充满了意义。

摘取片中一段浪漫告白，感受一下男主油而不腻的情话：

我也许是这世界上唯一知道你是世上最了不起的女人。

知道你是多么可爱，

以及你是怎样对斯潘塞。

你灵魂的每一个闪念，

都表现出正直和诚实。

很多人正缺少这个，

我想像不出他们怎么能看你端来食品，清理桌子，而没有想到他们遇到了世界上最伟大的女性！

我却认识到了，

我感觉很好……

2、《 那山那人那狗 》  豆瓣：8.6

简评：入围日本电影奥斯卡的最佳外语片。

过河时，儿子要背父亲，就是儿子长大了。

好久没看这么纯洁的电影了。

高考落榜的儿子回到山里，接了一份邮递员的工作，给父亲送信。父亲带着老狗和儿子踏上了旦裤送信的旅程，因为他第一次送信感到不安。

因为长期的隔阂，两人一路上默默地一前一后走着。

在寄信的过程中，其实有很多矛盾。

1.父子之间生疏不了解的矛盾，是因为彼此分开的原因造成的。

2.父亲想让儿子在山里接邮差，儿子想在山外打工；

3.父亲老了，儿子长大了的“矛盾”。

这三个矛盾在一起寄信的旅途中得到了缓解。

第一个矛盾:父亲通过儿子和侗族姑娘的见面，慢慢打开了彼此的误会。儿子意识到父亲在外打工不容易，父亲也通过儿子的爱联想到自己的爱，想起自己因为工作忍受了妻子多年孤独的愧疚。

第二个矛盾:父亲来到经常收到信件的村子时，村民们高兴地等着父亲，看着他离开村子。我儿子第一次在这里感受到了当邮递员的快乐。

而这种喜悦在武坡得到了升华，武坡是一个特殊的“客户”。她的孙子从山区大学毕业后，就再也没有回来过。我父亲经常给她寄一封不存在的信，假装是五婆的孙子写来的。

五婆瞎了。每当父亲给五坡读信时，儿子看着五坡眼中透露出的希望，儿子感受到邮递员这份工作的意义。

山内山外两个人的矛盾得到了缓解。

第三个矛盾:父亲老了，儿子长大了的矛盾。我儿子背着父亲过河了。父亲的眼泪和回忆，我的儿子曾经坐在他的肩膀上，但现在他是仰面朝天，所以我真的觉得我的儿子真的长大了。这是父亲的视角。

当儿子看到父亲挣扎着捡信摔倒时，那种微弱的悲伤突然出现。那一刻，儿子觉得父亲真的老了。这是我儿子的观点。

两个人都是从自己的角度感受时间的穿梭，应该珍惜相处的日子。

其次，优美的景观取景也是影片的亮点之一。焦平面完美展现了小家碧玉和淳朴乡村气息的南方景观。

看了很多很酷的动作片，看这部很写实的慢节奏文艺片，就像吃腻了大鱼大肉后啜着绿茶，很无聊，回味很甜。

3、《爆裂鼓手》豆瓣8.7

“人一旦有了梦想，怎么活都是有灵魂的”

这部电影的引言是“伟大是如何产生的”。当时我的直觉感觉是“这个介绍是不是夸张了？”后来，我被狠狠打了脸！我觉得这部电影也可以叫《学霸是怎么拍出来的》，哈哈~

电影里也有很多生气的场景，比如音乐老师一怒之下扔凳子，你不知道怎么了。明明前一秒答应给你表演，下一秒我就找人换你。虽然不能否认教师帮助男性实现了突破，但这种教育方式仍然存在争议。

看完这部电影，我最大的感受就是小时候总听到身边的人说:“差不多就够了。”我们显然做得很好，我们被长辈称赞为“好”和“棒”。。

因此，我们满足于“尽快服用”的水平，而不是追求“精致”和“卓越”，我们无法激发自己的潜力，在周围人的赞美中变得越来越平庸，直到我们度过了大部分没有生命的生活。

我不怪别人我不够优秀。我只想说，要想比别人强，往往要比别人承受更多的磨练。

古人的“严师”没有被我欺骗。一个优秀的球员背后通常站着一个严格的导师，但这并不意味着他没有严格的导师就不能成为“天才”。更重要的是，他对自己有要求。

4、《布达佩斯大饭店》豆瓣8.9

在野蛮的屠宰场，仍有一丝文明的微光，这就是人性。

你看到的是喜剧、幽默、荒诞、滑稽，其实说的是人类、文明、历史、哲学等深刻的话题。

战争带来了野蛮，摧毁了人类苦心经营的文明。虽然现实是残酷的、被追求的、被陷害的，但古斯塔夫仍然保留了绅士至少是良心的优雅形象，把高尚的品格传给了小门卫。也许那是人类唯一的荣耀。

很多人看不懂这部电影。事实上，如果他们一眼就能看懂，他们就不会被鼓掌。当你在思考导演在说什么的时候，你也收获了一些~

5、《白日梦想家》豆瓣8.5

如果你见过格陵兰，喜马拉雅和冰岛的火山，就再不会被生活打败。

迷路了该怎么办？

不要害怕。看看这部幻想家追求爱情和自信的人生幻想片。

主角沃尔特·米蒂是一名电影经理，在杂志工作了16年。他整天迷迷糊糊，做白日梦。后来公司被收购，他突然意识到自己已经踏上了寻找上一期杂志封面的25号电影的冒险之路，找到了余生的意义。

电影本身很有意思，就像主人公的冒险一样，简直就是一部风景片，人们看了就想去旅行。

其中，读完沃尔特·米蒂的经历，让我想起生活中还有很多人停留在看不见的现实中，想大惊小怪却不敢出门。害怕现在和未来，只能靠短期的安慰和逃避现实。

他们只活出了沃尔特·米蒂白日做梦的过程，却没有活出他后来成长的兴奋。

看完整部电影，我才意识到人生不能做梦，活着的意义不在于寻找意义，而在于时刻行动，做自己想做的事。

改变永远不会太晚。我希望每个人都像英雄沃尔特·米蒂一样，即使已经40多岁，也要敢于在20岁的时候做事。

年轻的时候，我总是很迷茫。也许白日梦想家是你的解药，值得一尝。即使你只把它作为一部风景片来看，它仍然是一部优秀的电影。

④ 泰坦尼克号的专业影评

向爱情致敬，向生命致敬

《泰坦尼克号》Titanic 年代：1997年 / 导演：詹姆斯.卡梅隆 / 主演：里奥纳多.迪卡普里奥、凯特.温斯莱特

《看电影》的一句话评价：一份让少男少女撕心裂肺的爱情。

这是一艘曾真实存在的巨轮，它的沉没夺走了上千人的生命，成为一场史无前例的海难；这是一个虚构的爱情故事，它的悲剧夺走了亿万观众的眼泪，成为影史上最成功的商业大片。不论有多少人对这部电影指手划脚，但是你无法忽视那全球累计18.45亿美元的票房成绩以及迄今难以逾越的卖座程度，还有奥斯卡上的11项大奖的册封，而十余年来观众对该片的持续发烧也是最好的证明。詹姆斯.卡梅隆斥资之重令人咋舌，可终究为其赢得了世界级导演的声誉，同时也成了自己无法超越的高峰。而他也通过本片树立了“灾难+爱情”的模式，为灾难片增添人情味，为爱情片增添观赏性。可以说，一艘大船的沉没却成就了一种电影文化现象的诞生。

84年后

电影的片头是一段发黄的老镜头，但是其实是运用技术手段模拟出来的效果，其用意就是再现当年这艘船出发时的壮观景象，令观众的思绪飘回到那个发冷的日子。1912年4月10日，当时世界上最大的、号称“永不沉没的客轮”的泰坦尼克号从英国南普顿出发,计划的目的地是美国纽约，开始了这艘“梦幻邮轮”的处女航。4月14日晚11点40分，泰坦尼克号在北大西洋撞上冰山，两小时四十分钟后，4月15日凌晨2点20分沉没，由于缺少足够的救生艇，1500人葬生海底，造成了当时在和平时期最严重的一次航海事故，也是迄今为止最为人所知的一次海难。导演詹姆斯.卡梅隆了解这个事件之后就打算将本片改编成电影。但是在这之前，泰坦尼克号的故事已经四次搬上过银幕（其中1958年的《冰海沉船》最为中国观众所知）。卡梅隆就自己构思了一个发生在这艘轮船上的一个关乎生离死别的爱情故事。没想到成为了经典。

在这一段镜头中，我们可以听到一段十分舒缓而熟悉的音乐，在本片中也多次出现，代表了主人公生死不渝的爱情。这段音乐是著名电影配乐大师詹姆斯.霍纳的作品，由他创作的《勇敢的心》《燃情岁月》等电影音乐都以动听的旋律深得全世界观众的喜爱和收藏。通过他的作品可以听出他本人的音乐创作受到爱尔兰地方音乐的影响很大，风笛等元素的加入使得这些音乐拥有了如梦似幻的唯美特质。《泰坦尼克号》在各方面都做得很出色，其中音乐的紧密配合显得尤为重要，下文会提到。

影片采取倒序的结构。一开始的时间是1996年，一艘比较先进的深海探测船潜入大西洋3821公尺的深度，船舱里的探险队员是要在沉没的泰坦尼克号中寻找一块价值连城的钻石“海洋之心。跟随他们的在迷宫一般的沉船里游弋，能够看到当年乘客们的皮鞋、眼镜、破败的钢琴。终于，探险队员们找到了一个保险箱。当他们上船后满怀期望敲开后却发现里面只有一滩毫无用处的泥浆和一张画稿。那幅画稿经过清理之后，竟然可以看出是一幅裸体女人的画像，而女人的脖子上正挂着他们所要寻找的那块钻石海洋之心。这一段镜头明显看出是在摄影棚里拍摄的，船发出的光居然可以照射到海底。类似这种缺乏常识的穿帮镜头在电影中比比皆是，接下来我就不多揭穿了，因为很多著名穿帮都已经路人皆知。不过通过这一段，可以感受到这艘大船如今的凋敝，并且可以想象出当时沉船时震撼人心的画面。

这次打捞行动通过电视转播出去之后，引起了一位白发苍苍、脸上布满皱纹的老太太的注意，她自称罗斯，并且说画中的那个女人就是她。探险队员为了找到“海洋之心”的下落，请来了罗斯太太。于是罗斯太太就跟大家讲述了当年她在这艘轮船上所经历的刻骨铭心的爱情。影片用了前20分钟时间表现沉没后的泰坦尼克，而且跟观众交代了整艘船沉没的模拟过程，便于观众理解以下的剧情。

穷小子和富千金

一个镜头切换，残破的沉船瞬间变为1912年即将起航的豪华巨轮，码头上人山人海。17岁的罗斯身穿白色礼服，头戴紫色大礼帽，显得分外富贵典雅。这身着装表明了她出身名门的千金身份。她挽着她的未婚夫卡尔登上了“泰坦尼克”，准备到美国结婚，可是罗斯“心里却在不停呐喊”，因为她根本就不爱他，她是迫于家族的压力勉强这样做的。

此时，在码头上，穷小子杰克和他的朋友跟两个俄国人赌博，结果意外的赢得了“泰坦尼克号”的船票。这两个小兄弟兴奋的奔上轮船。他俩最后一个上船的，船员还担心他们身上有虱子，可见当时人们等级观念十分严重。

接下来杰克和罗斯的住宿条件更体现出了身份的不平等。杰克他们只能住在下层的狭小的卧铺，而罗斯和未婚夫的头等舱包间则金碧辉煌，宽敞明亮。阶级的悬殊是罗斯和杰克相恋的障碍之一。

“泰坦尼克号”在茫茫大海中平稳的行驶着，一派温暖祥和的景象。杰克和朋友站在船头看着水中的海豚，这些景象对他们来说是那样的新鲜。杰克大声大喊着：“我是世界第一。”如此豁达畅快，让人痛快淋漓。电影用了大量的镜头和电脑特技来展现轮船行驶中出现的情景，可以说：叹为观止。

罗斯厌倦了整天无休止的舞会和宴会，想要逃离这种生活的束缚。相比之下杰克却活得很自在，没事的时候坐在船舷上画画，可以看出杰克也是位业余画家呢。而当杰克无意中看见罗斯的时候，立刻被吸引住了。这就是所谓的一见钟情吧。

这天晚上，罗斯终于忍不住了，跑到船尾，准备跳海自杀。杰克当场赶到，在一番劝说下，罗斯终于回心转意。结果一脚踩空，险些掉进海里。是杰克奋力将她救起来。可是此时恰好被船员看到，因为杰克对她做了什么不轨的事情，立刻把他扣上手扣。是罗斯急中生智编了个谎言才使杰克获得自由。这是他们的第一次见面，可以说两个人各救对方一次。这也就为以后的交往打下了基础。

第二天罗斯来找杰克道谢，并且发现了他绘画的才能。罗斯就非常喜欢毕加索的绘画，所以两个人有了共同爱好就更容易沟通了。他们的这次聊天既是愉快的也是不愉快的。当杰克问罗斯是否爱她的未婚夫的时候，她表现出非常无奈的样子；而当杰克教她向海里吐口水的时候，又充满了快乐。莫莉太太非常欣赏杰克的见义勇为，在晚宴前给杰克换上礼服，把他打扮的英俊潇洒，就这样，杰克混进了上流社会，第一次感受贵族们奢华的晚宴。由于不了解他们的就餐礼仪，杰克做出了很多可笑的举动。饭后，杰克约罗斯参加一个属于他们下等人的派对。我本人非常喜欢这个派对场景，欢快的苏格兰音乐声中，杰克和罗斯在嘈杂的人群里跳舞，两人还大秀踢踏舞，玩得很High。这些人虽然地位卑微，却依然拥有这种纯粹的快乐，连我们这些旁观者都看得热血沸腾。因此这个段落也是很多观众的心头好。

热恋

罗斯的母亲不允许罗斯再去见杰克，而让杰克嫁给卡尔，而目的就是为了将来获得他的巨额财产。卡尔对罗斯的举动也大为不满。就这样，他们的感情又面临家人的阻碍。

在杰克想罗斯表白心意之后，罗斯被打动了。她那颗驿动的心终于找到了归宿。那个下午，她和杰克站在船头，迎着夕阳，展开双臂，感受飞翔的美妙。“泰坦尼克号”成为了这对恋人的背景，也见证了他们的爱情。对于这个场景，我只能说：太浪漫太浪漫了。詹姆斯.卡梅隆就知道这个镜头会成为影史经典，所以才拍摄了这个场景，尽管略显刻意，可仍旧被观众所津津乐道。在一部商业片中出现这样唯美而曼妙的画面，谁都会为它动心。

接下来也是流传甚广的“作画”的段落了。罗斯只带着那颗卡尔送给她的“海洋之心”，在杰克面前宽衣解带，躺在沙发上。这让杰克惊得瞠目结舌，可仍然祥装镇定的画完了这幅肖像。从画面上看，凯特.布兰切特确实露点出镜，可是在电视台播出的版本中这个镜头被理所当然的剪掉了。但可以想象这个镜头在我国公映时带给观众怎样的震撼。而詹姆斯.卡梅隆又适时的满足观众的胃口。车中做爱的场景尽管只有那只疲惫的手以及两人汗涔涔的头部特写，却成为众多少男少女性幻想的场面。

浓情蜜意之后，电影迅速变了调子，画面变得晃动和紧张。因为一座冰山意外的出现在前方，由于发现的过晚，导致船的底部撞倒冰山。大水漫进船的底部，船员迅速关上了防水门。底层的卧铺已经进了水。不一会儿，三个货舱和六个锅炉房被淹。据估计，两个小时后，这艘载着2000多人的泰坦尼克号将会沉没。

可就在这个时候，卡尔还要“捉小偷”，他谎称自己的“海洋之心”被盗了，又派人将这块钻石悄悄的放进杰克的衣兜里。就这样，有理说不清的杰克就被手铐关押在了底层的一个房间里。卡尔的嫉妒心发作了，他一定要制杰克于死地才善罢甘休。

全船的人都被要求穿上救生衣，按顺序转移到救生船上，罗斯看不惯母亲严重的等级观念，愤然离开他们，只身到船舱下层去营救杰克。冰水已经没腰深了，等光忽明忽暗，罗斯到处找人求救却没有一个人肯帮她。最后她只好自己挥起斧头解救被困的杰克。气氛紧张的令人喘不过气，涌入的海水随时都会淹没他们。幸运的是他们终于成功了。他们砸碎铁门，让那些下等舱的乘客有了生存的希望。

生离死别

杰克让罗斯上救生艇。漫天的烟花照亮了甲板上的杰克，救生艇的罗斯仰头望着他。那一刻罗斯感觉到自己和杰克离不开了，他们愿意一同赴死。于是她竟然毅然跳出救生艇，和杰克紧紧地拥抱在一起。爱情在此时让他们有了共同面对生死挑战的勇气。

在一旁的卡尔醋意大发，掏出一把手枪，恼羞成怒的他一定要杀死杰克。杰克赶紧带着罗斯再次逃到已经满是海水的下等舱。在这里他们又经历了一次惊心动魄的历险。我们看灾难片其实就是寻找感官刺激，詹姆斯.卡梅隆的做法很满足观众的胃口。相信谁看到这个场景都会为主人公而揪心。在处理灾难场面时，导演张弛有度，一段优美的小提琴曲抒情优美，展现了灾难中人们所表现出的人性美和对美好生命的歌颂；然后是紧张慌乱的沉船场面，落荒而逃的乘客、救命声和呼喊声、因倾斜而摔碎的物品，汹涌而来的海水，种种场面显得如此的恐怖，前所未见，生命在这样的打击下也是那样的脆弱、不堪一击。

罗斯、杰克和这些惊慌失措的乘客一样在苦苦寻找生存的机会。“泰坦尼克号”由于船头进水过重导致严重倾斜，船舷成了一个大滑梯，没有抓稳的人就滑落了下去。表现这样的灾难场景时，个体被放在突出的位置。可以看到，牧师还在为他的人民祈祷，一个母亲死死地抱住自己的孩子，有的人喝酒壮胆，有的人干脆就直接跳进海里了，可还是不幸撞上了螺旋桨的扇片。而罗斯和杰克来到了高高翘起的船尾——他们相识的地方。开始就要意味着结束，这难道不令人感慨吗？

突然，由于承受不了船尾的重量，轮船从中间折断了。船头彻底没入水中，船尾几乎是呈垂直状迅速沉进海里。沉船的场景是全片的重点，电脑CG技术和逼真的模型使得沉船无比震撼人心，给人一种前所未有的视觉体验。至少我觉得这种感觉难以言表，听着他们的惨叫，我感到非常的揪心。这也是本片被称为恢弘巨制的重要原因。

2000多名乘客落入水中，这种壮观而又惨烈的景象绝对让你目瞪口呆。还好，罗斯找到了杰克。她爬上了一块木板，杰克在冰冷的海水里守护着她。冰冷的海水将杰克的脸和手冻得发白，他颤抖地告诉罗斯“要好好的活下去”“无论发生什么事，都不要放弃。”最终杰克化成一座冰雕，渐渐的沉进了海水中。不知我是不是太多愁善感，看到这个画面我总是不由自主的流下眼泪。一份短暂的爱情就这样被冻结在了海里，罗斯记住了杰克的话，决不放弃。她用尽全力吹响了口哨，终于被返回的一艘救生船营救了......

84年后

最终罗斯没有嫁给卡尔。探险队员们听完这个故事之后唏嘘感叹，受了一次心灵的净化，更加了解了生命的真谛。

那么那个“海洋之心”究竟在哪里呢？它仍然被罗斯保存着。年迈的罗斯拿着它，慢慢的踏上船的围栏，虔诚的将这块价值连城的蓝宝石投进了大海中，愿它与杰克的在天之灵同在。在灾难中的人性显得更加充满光辉。这让我想起了这次地震中发生的感人的爱情故事，而我总会被他们所深深打动。灾难无情，可是只要有爱，哪怕不能此生在一起，这份感情也会跨越灾难的阻碍，成为永恒，封存在心中最美好的位置。

电影还有一个尾声。在老年罗斯的睡梦中，我们又一次梦回泰坦尼克号，在金碧辉煌的大厅里，杰克迎接罗斯，两个人在大家的期待中拥吻，周围的人无不为之欢呼鼓掌。导演在最后满足了我们的心愿，让整部电影画上了一个圆满的句号。

那首《My heart will go on》在最后响起。这也开创了大片贯用的“出片尾字幕在播放主题歌”的习惯。席琳.迪翁的歌声穿透银幕，回响在观者的心中。

最后提一下，片中的几个配角都有上佳的表现。比如莫莉太太、安德鲁先生（泰坦尼克号的设计者），我最印象深刻的就是那位大胡子船长史密斯。面对自己的船满满的沉没，他知道自己犯了不可挽回的错误，为了给所有人谢罪，他一个人关在船长室，等待死亡的到来。海水冲破玻璃窗，他随着自己心爱的轮船沉入海底，完成了一个船长最后的职责。法国著名作家雨果曾经写过一篇描写这艘船沉没过程的文章，其中就特别提到了这位值得尊敬的史密斯船长。