20年代电影如何拍摄

❶ 20世纪20年代的电影工业发生了怎样的变化

我以前已经谈到过这个问题，但这次我将从一个稍微不同的角度来解决这个问题。整个20世纪20年代，美国电影业呈几何级数增长。后来有了更多的剧院，更多的产品，业务也得到了整合，几家大公司形成了“制片厂系统”:签约演员、导演和编剧;在装配线的基础上做出的特性。连锁影院发展起来了，其中大部分由经营电影公司的公司控制。

但是电影行业在美学和技术上也有进步。例如……这是1920年的装饰和照明，带有佐罗的标志…在1924年前后，以《巴格达的小偷》为背景进行了装饰和照明……更加注重光源，更加注重造型。

因此，20世纪20年代不仅仅是有声电影的时代，它还推动了艺术形式的发展，提高了电影制作技术，(在公司方面)巩固了美国电影业，从制作到发行再到展览。(垂直整合,有人知道吗?)

❷ 八十年代的电影特效是怎么制作的

在20世纪70年代末至80年代期间，电脑技术尚在起步阶段，电影特效的制作方法多种多样，主要分为以下几种：
1. 胶片特效：这种方法成本较高，涉及对已拍摄好的电影胶片进行二次创作。例如，为了呈现一个人物在同一场景中进行多个动作的效果，特效师会单独为演员拍摄动作，然后逐帧从胶片上抠像，并与背景进行合成。这种技术在《星球大战》系列电影中的激光效果制作中得到了应用。通过将不同颜色的光线（如红、蓝、绿）与动作画面结合，逐帧制作，最终形成带有动态激光效果的片段。
2. 模型特效：模型特效在黑白电影时期就已存在，其中《星球大战》系列电影以其精细的模型特效著称。而成本最高的模型特效之一则出现在《泰坦尼克号》中。
3. SGI图形工作站：这种工作站类似于现代电脑，但由于当时电脑技术尚未发展到处理完整视频的程度，因此被称为图形工作站。它们主要用于逐帧处理图像。
至于背景颜色，虽然纯色背景在电影拍摄中被广泛采用，但并非总是蓝色。在电影早期，白色背景更为常见。随着时间的推移，电影制作人们根据场景的需要选择不同的背景色，包括青色、蓝色、绿色等。
值得一提的是，《终结者2》中的液态金属机器人T-1000，其特效制作就综合运用了上述三种方法。特效师首先制作了一个与真实比例相符的T-1000模型，并为其拍摄不同动作的逐帧画面。随后，这些画面被输入图形工作站进行效果处理，如创建伤口或实现液态效果等。最后，通过抠像技术将这些处理过的画面与原始拍摄素材结合，进行二次曝光，制作成最终的电影特效画面。

❸ 20—60年代的电影主要用了哪些特效

根据网络资料

中国电影特效50年代处于萌芽阶段 60年代处于自主研发阶段
50年代 萌芽
1950年，根据中央电影事业管理局的指令，在东北、北京和上海电影制片厂分别设立了特效部门，由东北电影制片厂负责对各厂选派的特效人员进行基础知识的专业培训和实习。1953年，上海电影制片厂正式成立了工种齐全的特效科。1955年 《天仙配》首次研制并运用了“分色合成”的特效工艺。1956年 《沙漠里的战斗》中首次应用了空间像逐格放映合成摄影工艺，黑白电影开始有了越来越新奇的画面。
60年代 自主研发
上世纪60年代中国电影特效发展迅速，各家制片厂都在研发技术。1960年，为拍摄《宝莲灯》开发出了分裂遮光器的特效摄影术，这一技术之后又在《孙悟空三打白骨精》中进一步完善。1963年，《红日》和《水手长的故事》大规模地使用了模型摄影、动态配景接景等合成摄影，以假代真拍摄了大量有坦克和飞机的战争场面。60年代初期，北影特效部门制成我国第一套国产红外线幕活动遮片合成摄影系统，并首次在影片《游园惊梦》中成功应用。
70年代 重生

❹ 中国20-90年代电影及其风格

第四代导演——在夹缝中探索奋斗
这一时期，中国电影创作的主力军是“第四代导演”。“第四代导演”的主体是六十年代电影学院的毕业生，还包括在同一时期自学成材的人。他们虽然学艺于六十年代，由于种种历史的原因，其艺术才华到1977年以后才发挥出来。几近不惑之年的“第四代导演”，一旦冲出起跑线，便显示出稳健的创作实力和持久的艺术后劲。他们以开放的视野，吸收新鲜的艺术经验，不懈地探索艺术的特性，承上启下，力图用新观念来改造和发展中国电影。他们提出中国电影要“丢掉戏剧的拐杖”，打破戏剧式结构；提倡纪实性，追求质朴、自然的风格和开放式的结构；注重主题与人物的意义性和从生活中，从凡人小事中去开掘社会和人生的哲理。“第四代导演”有理论，有实践，是这一时期获得重大成就的一支导演力量。
在“第四代导演”中有代表性的人物是吴贻弓、吴天明、张暖忻、黄健中、滕文骥。
除上述导演外，郑洞天、谢飞、胡柄榴、丁荫楠、李前宽、陆小雅、于本正、颜学恕、黄蜀芹、杨延晋、王好为、王君正、张子恩、宋崇、丛连文等都以不同风格的作品在这一时期留下了深深的印记。

❺ 20年代中国电影是如何从艺术探索走向商业竞争的商业电影的类型特征和制作策略是什么

20年代中国电影发生过一次"突转",以1926年为界，中国电影从文艺片突然整体转向商业片大潮。主要原因一是受美国好莱坞模式的影响，二是电影本身生存的需要，竞争机制决定了电影经营者转型。三是本土文化作为片子养分所决定的，四是当时的电影工作者美学观念的嬗变，决定了这次文艺思潮的整体转型。

商业片是以票房收益为最高目的、迎合大众口味和欣赏水准的影片。商业片往往采用的手段在题材的筛选一定是要奇观化，制作班底则是明星制，投资上一定是大投资、大制作、大炒作，商业片是支撑整个电影业生存，盈利乃至发展的一种类型片抑或称为模式。

❻ 电影的画面是怎么拍出来的

一部电影镜头的运用有多重要，如何跳出定势思维？

朝日传媒给出了更多关于电影镜头的思考。

《天使爱美丽》(2001) 剧照

朝日传媒

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❼ 影视画面中拍摄镜头的技巧

什么是影视中的长镜头
长镜头是指连续地用一个镜头拍摄下一个场景，一场戏或一段戏，以完成一个比较完整的镜头段落，而不破坏事件发展中时间和空间连贯性的镜头。

长镜头是指连续地对一个场景、一场戏进行较长时间的拍摄，所形成的镜头。
在拍摄长镜头时，通过摄象机的运动，形成多角度、多机位的效果，造成画面
空间的真实感和一气呵成的整体感。
它原为电影的拍摄技巧，产生于上世纪20年代。在电影发明之初，剪辑技巧还没
成为专门的制作手段时，电影画面大多是采用长镜头拍摄的。
长镜头最根本的在于镜头内纵深的场面调度产生的纪实性和整个影片节奏的起承转合所体现的现实主义风格。当然，相对而言，讲求景深内的场面调度会使镜头的时间变长、节奏变慢。看看侯孝贤等台湾导演的电影就相当明显。
大景深长镜头：是一种采用深焦距拍摄的长镜头。是在长镜头内实现现场画面调度的手段。
这种镜头常用来保持画面时间和空间上的完整统一。
其作用为：
a.能以一个单独的镜头表现完整的动作和事件，而其含义不依赖它与前后镜头的联结就能独立存在
b.强调长镜头在时间上的连续性和深焦距造成的完整的空间的作用，形成几个平面互相衬映、互相
对比的复杂画面空间结构
c.由于这种多层面和多元性的画面，比然派生出多义性，使大家在欣赏影片时有相当大的选择自由
并自由地对画面形象的某些或全部含义做出自己的判断和理解。
摄影长镜头的缺点
首先,质量上乘的长镜头价格昂贵.
其次,长镜头往往又大又笨重,在你整天背着它到处转之后,就会有切身体会.
第三,镜头的焦距越长,照相机就必须把握得越稳定,以避免影像模糊.经验准则是只有当快门速度至少等于镜头焦距毫米数的倒数时才能够手持镜头进行拍摄.也就是说,当快门速度低于1/100秒时就不能手持100mm镜头拍摄,低于1/1500秒时就不能手持500mm镜头拍摄等等.在下一课中还会讲到.为了确保得到锐利的影像,我们推荐设置更高的快门速度.我们推荐的设置值是镜头焦距的"两倍".也就是说,当快门速度低于1/200秒时就不能手持100mm镜头拍摄,低于1/1000秒时就不能手持500mm镜头拍摄.因此,对于大多数远摄镜头的拍摄工作都需用要使用三脚架.
第四,不管长镜头的光学系统多么完美,拍摄远处的物体时,影像总是处于充满尘埃、阴霾和热折射的大气环境中。只有在非常罕见的清澈空气中，才能获得特别清晰的远摄影像。
建议在练习的这个阶段，除了照相机上已经配备的镜头之外，不必再购买任何镜头。以后成为"高手"时，可以考虑较长焦距的镜头。即使在那时，除非对超长镜头具有特殊的需求，并且资金也不成问题，否则我们建议不要考虑超过200mm的任何镜头。如果偶尔需要超长镜头，可以考虑添置一只远摄增距镜。