台灣第一電影

Ⅰ 台灣最出名的電影是什麼

是《海角七號》，票房咋台灣高的不得了，馬英九都屁顛屁顛的跑去看。但不是最好的。不過你問最出名的，就是它了。

Ⅱ 台灣80年代電影有哪些

1981年侯孝賢拍出第一部長片<就是溜溜的她>，他獨樹一幟，大膽運用長鏡頭而造就出的獨特視覺風格，後來則成了他電影作品的一項重要標記。隨後他又推出了<在那河畔青草青>（1982年）他在這種復述青春與童真的過程中，他仍然沒有放棄其慣有的長鏡頭視覺模式，悠長而沉悶，所以並沒有人給他下過一個肯定的結論。而到了1984年則有了轉機，隨著他拍攝技術的日臻完善，作品<風櫃來的人>推出後，使他獲得了空前的好評，此時輿論界才算是首肯了其固守的電影藝術表現形式，一些國際國內的獎項，也給他的事業帶來了巨大的轉機。

<風櫃來的人>所呈現的是一個平靜、悠閑的漁村景象，主人公阿清和同伴們成天無所事事，他們看白戲、賭博、逞勇鬥狠。終於有一次，他們把事情鬧得太大，而被警方懲戒，於是結伴離開風櫃——這個澎湖列島中的一個小島，他們棲息的家，來到了光怪陸離的高雄，一切都變了，他們對這個城市感到茫然、陌生、焦慮和恐懼。在兩種生活狀態的切換中，侯孝賢的想傳達的心緒是不言而喻的。

對於孩童和少年時代的那種幻夢般的執迷，是這個時期侯孝賢電影的一大創作特點，即使是一些細瑣閑雜的小趣，他都會以一種近乎偏執的距離和角度，去傾注自己情懷與關注。希望——失望，失望——希望，那種沾染著稚氣面對著成長體驗的情結，成為他早期作品裡最重要的基調。也正如他自己所體驗的那樣：「莫如一個俯瞰人世的旁觀者。溫暖，但帶著距離，所以更需要絕對的清醒。」

從<兒子的大玩偶>（1983年）中對寵溺嬌縱的享受，到<冬冬的假期>（1984年）里對自然與社會、生活與現實的初步領悟，侯孝賢總是在利用著孩子們的視覺與思考，來發掘並且披露現實生活背後的一些創痕與陰影。充滿了彷徨與無奈的歲月里，人們已經越來越習慣於拙劣地過活，然而孩子們卻是無辜的，他們的眼睛中居然也衍生了不知所措的神色。人們都在找尋著奔忙下去的理由，那麼又有誰來為孩子們解釋清楚，那些他們根本看不太懂的林林總總，究竟都是在為了些什麼。

<童年往事>（1985年）中，這種微妙的情結仍舊在繼續著，不同於以往的是這種情結似乎已經有所依託，其實這種依託的端的和源頭，則更多是來自於他自己一些成長經歷。又是一個兀長的鏡頭給過來，我們看到那少年（侯孝賢）精赤著腳站在芒果樹下，整個街道非常寂寥。遠遠傳來腳踏車吃力輪轉聲，聲音如此微弱，分不清腳踏車從哪裡來又要往哪裡去。樹下面是一個獨立世界，有人出來轉一圈，一會兒又不見。坐在樹上的少年侯孝賢清醒地感受到微熱的風，安靜的蟬聲，人的活動 。他突然感到寂寞。好像時空整個凝結在那裡……

我們在<童年往事>里，看到的是自己幼年時候玩耍過的游戲，蹲在門口等大人回來的經驗，吃到一根雪糕的喜悅……這些瑣碎的、平淡的，似乎只會吸引小孩子的情節累積起來，漸漸地打動了我們身邊每一個人的內心世界。

從<戀戀風塵>（1986年）中的顧盼與滯等，到<尼羅河的女兒>（1987年）中的徇徇不羈與突然死亡，我們忽而發現了侯孝賢對於愛情觀念的一種決絕與虛妄。而<<悲情城市>（1989年）的涌現，就已經把他那決絕的哀與樂、生與死的情結，完全地超越了童真與愛情的零碎表白。故事中再現了那個幻滅的時代，男與女、大與小、老與少，都混沌在一種從無奈到絕望的狀態里生存著。與其是說那個令人痛至決絕的城市充滿悲情，莫不如說是人們對自己命運與前途的焦慮與絕望，生離——死別，死別——生離，或許在這種傷情的故事裡，唯一能令人暢釋心胸的畫面，也只有那長鏡頭下的遠山近水……

陶醉在長鏡頭的古典寫實形式，或許會是侯孝賢今生今世都無法放棄的情懷，而對於現實生活與田園野趣的執迷，也源自於其寫實個性下的完整經驗。而楊德昌的電影作品也在秉執這種特質，但是他這種寫實的特質卻與侯孝賢的鄉土田園氣韻截然相反，他把故事的觸角牢牢地扎在了台灣城市的最深處，總是在揭批著那些披著改良外衣的生活與人性，揭開人性最卑微、最晦暗、最陰冷的最底層。

與侯孝賢一樣，楊德昌的電影作品也啟始於那些孩提時代的意趣與感悟。在最初<光陰的故事——指望>（1982年）中，他並沒有過於偏執地堅守批判與懷疑的態度，而僅只是對於懵懵懂懂的青春，作了一次最委婉、最淺顯、而又是最單純的解讀。女中學生淡淡的相思，在含蓄和緩慢的畫面中給予呈現，既沒有傷害，也沒有沖突，只有那留存在記憶中的一幕幕可供回味的瞬間，在細膩的囈語聲中向你委婉道白。道白這無奈的青春，體會這「光陰的故事」。

在隨後的<海灘的一天>的創作中，這種天真、爛漫的情懷忽然原離了他的視線，一股迷惘而空虛的落寞情結，彌蓋了他對愛情與生活的幻夢與憧憬。故事的調子飽涵著沉重，那種原離了生活環境，而又揭示著現象的側面寫實，把一種對人性的懷疑推到了觀眾們的面前。身在那個物慾橫流的年代空洞而虛偽的社會環境下，人際關系足逐漸變得疏離、冰冷，任何情感與允諾都顯得無比蒼白而毫不可信。這個疏離、冰冷的人際關系鏈條，緊禁地捆綁著彷徨在那個時代、那個社會的每一個年輕人，愛沒有了希望，恨也就無所謂痛快，生活自然而然地也就被擱置到了一種更加極端、更加邊緣的狀態。

這個疏離、冰冷的人際關系發展到<青梅竹馬>（1985年）與<恐怖分子>（1986年），則成為更教人恐懼悲觀的軟弱道德行為，大都會五光十色的物質環境，只會更加劇這些個人的絕望與無助。<海灘的一天>畢竟在劇終時成就了兩個獨立而成熟的女性，而到了<青梅竹馬>和<恐怖分子>，死亡、空虛的概念卻展開了更為悲觀的結論。到了<牯嶺街少年殺人事件>（1991年），更是延伸了<恐怖分子>的社會敗德和軟弱人性的「共犯」控訴。小四的殺人行為，被拓寬為六十年代台灣社會的封閉，以至於對純潔、真誠的扼殺。如此看來，若說楊德昌是一位當代台灣社會道德觀察省思者，也並不為過。

Ⅲ 第一部在大陸上映的台灣電影

1984年，《搭錯車》成為首部在大陸上映的台灣影片，在福建廈門、泉州等地連映3個多月。

Ⅳ 我認為的台灣電影十佳分別有哪些

台灣電影和音樂伴隨著我的童年、少年，乃至青年時代，在純真的心靈深處留下了很深的烙印。以至於當我涉足台灣的每一個角落，頭腦中浮現的總是那些在歲月的流逝中逐漸模糊，又猛然清晰的熟悉鏡頭。帶著深深的懷舊情結，梳理了一番幾十年時光飛逝之後，仍然縈繞於心間的台灣電影，以緬懷將逝的青春，那些血氣方剛的歲月。

這是我印象最深刻的一部台灣電視劇，你們認同嗎？

Ⅳ 台灣票房最高的一部電影

很多人不知道,目前台灣自製電影最高票房紀錄是，一九九四年唯一能和港片及外片相抗衡，由「朱延平導演」的《新烏龍院》。

這出情節簡單、結構鬆散的喜劇，名列一九九四年台北市十大賣座國片之一，台北票房就高達九千八百萬元，發行公司估計全台票房突破新台幣兩億元。

若依照貨幣等值來算，《新烏龍院》更可穩坐台灣自製電影最高票房紀錄的寶座。

但依照票房來算：

2008年統計～

台灣影史／台北市票房排行：
01.鐵達尼號 : 3.8778億
02. 海角七號：2.3232億
03. 侏羅紀公園：2.2529億
04.失落的世界：侏羅紀公園 2.1316億
05.魔戒三部曲：王者再臨 2.0004億

《海角七號》全台票房最終統計：五億三千萬

Ⅵ 台灣拍過幾部電影

拍過N部
海角七號現在在台火得很

Ⅶ 第一部中國內地和台灣合拍的電影

應該是李雪健和張艾嘉合拍的，九六年左右

Ⅷ 台灣第一部故事片是那一年的什麼影片

由於台灣迷的一首怪紳士電影主題曲的啟發，引起我的興趣。對於什麽是台灣的第一部電影，不同的資料有不同的看法，....。下面這一段的看法好像比較不一樣。

.....

台灣華語電影的正式開端，是在1925年。這一年，一群電影愛好者，劉喜陽、鄭超人、張雲鶴和李松峰等人成立了「台灣影畫研究會」。其中任職台灣總督府的李松峰，透過教育會電影部在美國芝加哥購得一部攝影機，再請劉喜陽擔任編導，拍攝了台灣人自己製作第一部故事片《誰之過》。

由台灣影畫協會拍攝的《誰之過》，以及之後由文英影片公司拍攝的《情潮》，在票房上都不成功。1928年，「江雲社歌仔戲班」受日本連鎖戲的影響，在歌仔戲中穿插放映《楊國顯巡案》和《江雲娘脫靴》。這種新形式的做法轟動一時，票房的成功也令劇團能夠繼續維持下去。

連鎖戲的成功使張雲鶴和李松峰等人得到啟示，再次集合一群電影愛好者，成立「百達影片公司」。1929年，他們拍攝了第二部由台灣人製作的故事長片《血痕》。這部俠義愛情片是仿效了當時中國的"神怪武俠片"而製作的。在公映的時候，空前盛況，賣座非常成功。

1931年，日本侵華，台灣也被迫進入備戰狀態。在文化上，日本對台灣嚴加管治，再加上資源缺乏和人材不足。所以在1931年至1937年間，台灣只生產了五部電影，而且還是以台日合作方式拍攝，由日本人當導演的。五部影片當中，《鳴呼芝山岩》和《榮譽軍夫》是日本殖民者的政宣片;《怪紳士》是偵探片、《義人吳鳳》是傳記片、《望春風》則是一部愛情悲劇。

Ⅸ 台灣老電影

我就只知道這一部的下載地址:
《汪洋中的一條船》
http://www.verycd.com/topics/2741425/

Ⅹ 台灣第一部引進的大陸片是哪個 還有哪些

領銜主演：庹宗華 主演（第一部）：劉德華、王靜瑩、郎雄、谷峰、顏鳳嬌、斯琴高娃、柯俊雄（飾李國輝） 主演（第二部）：梁朝偉、林志穎、呂良偉、吳孟達、關之琳、葉全真、柯俊雄（飾賀將軍） [第一部] 地址一（迅雷）： 地址二（電驢） 粵語版字幕： [第二部] 地址一（迅雷）： 地址二（電驢）： 這部影片很特別，它既不同於我們大陸的「主旋律」，也不同於台灣《八二三炮戰》這樣的反共片。 這是一部戰爭反思片，它與兩岸的現代戰爭電影最大的區別，就是不再美化戰爭、不再鼓吹死亡的美好，也許戰爭的場面談不上多麼華麗，但「慘烈」二字卻時時揮之不去。和《西線無戰事》一樣，故事從始至終無處不伴隨著對生命的憐惜、以及對死亡的恐懼。影片的兩首主題曲，不再是歌功頌德，而是滲入一絲哀調，深層地去思考戰爭中的生命。可謂國民黨版的《西線無戰事》。 可以說這樣的片子在中國實在很難得。不過也有不好的地方，並非因為畫面比較粗糙——這是時代技術所限，亦非演員的表演水準有待提高——部分演出的確顯得做作，而是影片對解放軍進行了醜化，平心而論，這部影片談不上反共——這頂帽子戴得太高了，片中的共產黨和緬甸軍都是徹徹底底的龍套，但顯然劇組還是刻意安排了幾個讓解放軍丟臉的劇情來討好當局，自然這還是意識形態在作怪。當然相比起僅僅距離本片公映的三年多前的《八二三炮戰》，本片中解放軍的形象還是比較正面的，至少片中解放軍的兩次廣播充滿了人情味，短短的幾年，台灣電影中的共產黨，就已經擺脫掉了百分百的小丑形象，從而有了人性，可以說當時台灣還是有很大進步的。 在世界各國的戰爭影片中，不乏有以戰敗方為主角的作品，除了《西線無戰事》（一戰片），還有德國的《斯大林格勒》、《鐵十字勛章》，義大利的《阿拉曼》，日本的《沒有出口的海》等等，這些影片無一不例外平等地對待各個國家的人物，而以戰勝國為主角的亦有這樣的作品，如《細細的紅線》等等，在這點上，《異域》顯然遜了一籌，意識形態給這部原本可以更偉大的影片蒙上了一層濃濃的政治色彩。 對於歷史人物，不妨客觀點，丑惡的人，不能簡單片面地去否認他本來也是一個普通人（譴責惡魔而不思考惡魔形成的過程，是對歷史的不負責任），而偉大和高尚的人，更無需用高大全的非人方式去表現。歌德曾經這樣評價過一本《拿破崙傳》：「記者、歷史學家以及詩人們加諸於拿破崙的所有光環，所有的幻像，在這部書令人敬畏的寫實面前都消失凈盡，但是那位英雄絕不因此有所減損；其形象反而更加高大。我們由此知道，當任何人有勇氣說出真實的時候，真實是多麼輝煌的事物。」正如劉德華飾演的小杜所說的那樣，中國會淪落到戰亂不斷的地步，正是因為有太多像李國輝將軍這樣忠勇的人，這話可謂充滿了諷刺意味，但卻是事實。 希望這部影片以後有夠被翻拍，以更為中立的角度去看待這段歷史，不妨參考一下德國影片《帝國的毀滅》，對有爭議的歷史人物正視而不美化，批判而不醜化。 香港粵語版為了減少公映成本，在基本不影響原來劇情的情況下，把一些多餘的、可有可無的內容刪掉。台版的確有些地方過於重復和羅嗦，不過港版有兩個劇情我覺得很不應該刪掉，這兩個劇情是： 第一個：下雨天，士兵們閑著無聊就玩起「吹牛」的游戲。老鄭說自己想要有錢花，伙夫頭說想要娶媳婦，鄧克保說想要平安地過日子、有一個家，小劉說想念姐姐和家裡的那頭牛，說著說著，眾人沉默了……我覺得這個劇情很好啊，很能表達出前線陣地里的普通士兵的心情，為什麼要刪呢？ 第二個：共產黨的第二次廣播：「各位同志，大家都是中國人，你們為誰犧牲呢？你們真忍心丟下父母、妻子、兒女……為高官們去賣命嗎？」港版刪掉這個情節，大概是因為覺得內容「重復」，確實在故事開頭不久處已經有過共產黨的第一次廣播，但我覺得第二次的廣播內容更加啟人反思，不應該刪掉。 本片的續集《異域之末路英雄》：很多人都覺得本片不如前作，包括我在內竟然也有幾分這種感覺，可是本片的製作水準照理來說，無論從哪一方面看，都要比前作來得出色，但究竟為何會讓人覺得不如前作呢？我個人總覺得本片似乎少了些什麼，但卻說不出來…… 不過，如果要論客觀性的話，本片明顯要超過前作。前作雖然基本比較客觀，但多少有些醜化解放軍的成分，而且部分情節還是有迎合討好當局的嫌疑，而本片則將生命的意義提升到了比政治更高的高度，對緬甸軍的民族情感作了表現，突出戰爭的悲劇性，對泰國軍則是述而不評。 幕後製作：《異域》是由一部（台灣）禁書改編，曾經被（台灣）電檢處禁演。導演朱延平認為，《異域》最重要的是使得台灣地區的電檢制度前進了一大步。因為這部電影，群眾舉行了遊行，電檢處做出了讓步，從修剪21刀到16刀，再到最後的一刀沒剪。這部戲內地沒有引進過，但是朱延平相信它的主題曲很多人都知道——羅大佑的《亞細亞的孤兒》。
你好【949075651a】