拍電影劇院的觀眾如何拍

1. 導演拍電影要討好觀眾的辯詞

咨詢記錄 · 回答於2021-11-17

2. 導演拍攝電影時，應當遵循內心還是迎合觀眾

當一部電影播出之後，很多人對於這部電影的評論可能都不一樣，但如果這部電影的口味沒有迎合觀眾們的喜好，可能負責拍攝這部電影的導演，會遭到觀眾們的唾棄。認為他們捨不得花錢，同時編的一首爛劇本。
如此，導演在拍攝電影的時候是應該遵從內心，還是應該迎合觀眾的喜好？
我認為如果想要讓自己的電影擁有一個好的關注度和口碑，導演在拍攝電影的時候，更應該去調研一下觀眾們當下的口味和喜好。因為我們可以看到其實有很多系列的電影拍攝的內容也是極其不錯的，但是看到評分和關注度的時候，往往會感覺到可惜。這是因為導演選題不對，就比如當下人們比較喜歡看的電影電影類型喜劇，科幻片等等。大多數人們不喜歡看所謂的倫理片或者是紀錄片。這就是當下人們的口味，如果導演真的想讓自己所拍攝的電影票房爆滿，就必須要去遵從當下觀眾們的口味。

3. 《長津湖》曝光片場花絮，演員們是如何拍電影

演員們都是在比較艱苦的環境下拍電影的，而且大家都沒有任何的怨言，沒有任何一位演員使用了替身，這就是為何這部電影可以如此感人的地方，因為這次參加電影《長津湖》的都是一些很有實力的演員，也正是因為有他們的真情演出，所以才可以有這樣一部成功的作品，這次看到《長津湖》的片場花絮就可以感受到這些演員付出和努力，熒幕前看到的演員都是很光鮮亮麗，熒幕後他們都為這部電影做出了很大的努力。

演員都全身心投入到角色中

或許是因為演員們都太過於投入在角色中，所以在拍攝期間受傷也不知情，因為當時他們已經和自己的 角色融合一體，這次沒有任何一位演員採用了替身，他們都是親自完成了所有的拍攝，確實要為他們的敬業精神致敬，因為他們讓我們看到了如此優秀的作品。

4. 觀看話劇演出為什麼不能拍照攝影

近期在保利演出，如鯁在喉。保利的工作人員已在崩潰的邊緣，「演出謝絕拍照，謝謝配合」這句話十分鍾內起碼說了五次。在舞台謀生上已十年了，觀眾素質其實是有提高的，記得2008年滿場飛奔尖叫的小孩給過我極大的刺激。現在這種情況的確是少多了。而且，曾經包場贈票是常態，現在的確是花錢買票的越來越多。可是，觀眾養成了一種消費主義的習慣，把話劇行業當作了服務行業，「老子花錢買票，進了場，想幹嘛就幹嘛！」。去年在某地一處極現代化極豪華的劇場演出，演出開場有觀眾拍照，工作人員用激光筆照射他的屏幕以示提醒，結果這位先生暴走了，起身大罵，幾乎導致演出的中止。以我的涵養很難不想沖下去揍他，可是幾分鍾後還要上場。但此時的所有演員的情緒已經難以平復，後面的演出幾乎是心猿意馬的演完的。我很懊惱，因為其他觀眾看到的不是最好的演出狀態。劇場拍照影響的不只是演員，還有其他觀眾。今天的演出，因為有幾位明星，底下的粉絲們差不多陷入了瘋狂的狀態。黑暗中閃光燈此起彼伏，演員們一直被干擾，有比較年輕的女演員甚至委屈的紅了眼眶。甚至有人沖上台來強行合影。你這不是愛你的偶像，這不是演唱會，你的偶像在台上扮演著別人的人生，而你在黑暗處陶醉於明天能發一個朋友圈裝逼，實在是讓你的偶像陷入極其尷尬的境地，閃光燈影響演員情緒這種事我就不多說了。哪怕不開閃光燈，你那5.5寸大屏幕的亮光同樣會讓台上的演員分心，當然也會影響到你周圍的其他觀眾。我去過許多國家演出，在這里就不提國內外觀眾素質的差異了。只是每次我看到台下的觀眾們興高采烈的大聲討論劇情然後拿出各式各樣的手機此起彼伏的閃爍著相機，我已經不再感到憤怒或者無奈，而是發自內心的羞恥。舞台上下本應是一體，現在雙方各自一端，任重道遠吧。

5. 電影分鏡頭具體是按什麼分到底是按鏡頭還是場景

表格形式。

分鏡頭劇本大多採用表格形式，格式不一，有詳有略。一般設有鏡號、景別、攝法、長度、內容、音響、音樂等欄目。表格中的「攝法」是指鏡頭的角度和運動；

「內容」是指畫面中人物的動作和對話，有時也把動作和對話分開，列為兩項。在每個段落之前，還注有場景，即劇情發生的地點和時間；段落之間，標有鏡頭組接的技巧。有些比較詳細的分鏡頭劇本，還附有畫面設計草圖和藝術處理說明等。

作用：

分鏡頭腳本的作用主要表現在三方面：

一是前期拍攝的腳本；

二是後期製作的依據；

三是長度和經費預算的參考。

(5)拍電影劇院的觀眾如何拍擴展閱讀：

主要內容：

分鏡頭腳本是最實用的電視腳本，它是在文學腳本的基礎上運用蒙太奇思維和蒙太奇技巧進行腳本的再創作，即根據拍攝提綱或文學腳本，參照拍攝現場實際情況，分隔場次或段落，並運用形象的對比，呼應，積累，暗示，並列，沖突等手段，來建構屏幕上的總體形象。

依據文字腳本加工成分鏡頭腳本，不是對文字腳本的圖解和翻譯，而是在文字腳本基礎上進行影視語言的再創造。

6. 拍電影應該注意什麼求答案

第二，空間有沒有大小的變化，大房間，小房間，有沒有室內室外的變化。
第五，有沒有運動，是畫面內的被攝體在運動，還是攝影機在運動，是水平運動（左右橫移）多還是縱深運動多。
第六，有沒有用變焦，它是准確地表現了兩個人物關系，還是造成了錯誤的關系。變焦用得多不多；搖鏡頭有沒有增加新的信息或含義；
第七，運動的動與靜的關系，是前景有運動，背景沒有；或是背景有運動，前景沒有；或是前後景都有，或前後景都沒有；
第十，音樂用在哪裡；有沒有主題歌，有作用嗎？音樂與人物動作（或稱表演）關系，音樂與攝影機運動的關系，音樂與色彩變化的關系，音樂與對話的情緒及節奏的關系，音樂與自然音響（即雜訊）的關系等等。
第十二，畫面上人物關系的變化，有變化，還是沒有變化，A在整個鏡頭里始終站在B右邊，就沒有走到B的左邊去過，等等。
①電影在技術上的局限性是電影作為藝術的根源
②視覺過程不是機械的攝錄外在世界，而是用簡單、規則、平衡等原則創造的組織感官材料
③電影不能完美再現現實的特性，成為它作為藝術的必要手段
電影的局限性包括：
⑴ 立體在平面上的投影；
⑵ 深度感減弱；
⑶ 照明與無色；
⑷ 畫面界限與物體的距離；
⑸ 時空連續性不存在；
⑹ 沒有聲音，視覺以外其它感覺失去作用
分析電影和戲劇在形式表現原則上的差別，並認為電影表現原則是電影的革命性創新
戲劇表現原則：
⑴ 看到整個演出劇場；
⑵ 觀眾視距不發生變化；
⑶ 觀眾的視角不發生變化；
電影表現原則：
⑴ 被拍場景可被分割；
⑵ 被記錄場景視距可變；
⑶ 觀眾視角縱深可變，觀眾與銀幕的想像距離是可改變的
結論：丟掉，放開電影的腳步。
電影迅速成為一種思想表達工具，保存時代形象的好方法，電影漸漸成為一種語言。藝術家掌握了這種語言後，表達自己的思想、抽象的概念就像寫隨筆、小說一樣流暢自然讓攝影機像筆一樣自由可以表達自己個人思想，現代電影已成為一種同書面語言一樣精細的思想表達方法

7. 電影里體育場內上萬名觀眾的鏡頭是如何拍的

看電影的製作規模，規模小當然象上面所說可以用一些真實比賽的鏡頭矇混一下。但上規模的的確是用大量的群眾演員拍攝而成。

8. 票房大賣王怎麼拍電影 拍電影方法心得

以下內容來自 當游（票房大賣王拍電影技巧詳解）在游戲主界面打開正下方的【拍攝】。

然後根據你明星的能力選擇一個劇本，剛開始建議使用一星劇本。選擇好劇本你可以將電影名改名，這里改免費，拍攝時更改需要鑽石。然後根據明星的能力去選擇扮演的角色，點擊角色後再點擊明星就可以選擇【扮演】該角色。確定完明星扮演者就提交進入下一步開始拍攝。然後在這里檢測明星是否和角色適合，契合就會加分。

9. 在電影院黑場的情況下如何拍攝觀眾和屏幕 能保證清楚 在線等

對於這個問題，技術控會說器材選擇、感光度調節、機位選擇……這是從根本上解決問題的方法。影院老闆會通知機房的人在電影畫面很亮能把影廳照亮的時候點「暫停」，然後再拍觀眾，這個不現實……控場能力強的人會鼓動現場觀眾把手機調到手電筒模式把燈光打到自己臉上、保證觀眾面部的光線充足方便拍攝，這個更不現實、效果也最爛……說了這么多是因為不知道你到底是要拍什麼，拍視頻還是拍照片？拍視頻的話是寫實點正對觀眾背對屏幕拍看電影的人還是浪漫點正對屏幕拍觀眾的剪影？追求的效果不同方法也不同~~~~~~~~~~我在影院工作，只要不是偷拍電影，想要進影廳拍攝我可以幫到你

10. 電影鏡頭有哪兒種拍攝角度,給觀眾分別會產生什麼不同的觀影效果

電影鏡頭分為仰拍、平視、俯拍三種拍攝角度。平視給觀眾的感覺是一種現實生活中的正常視覺效果；仰拍會使被拍攝的對象在觀眾面前營造一種高大偉岸的視覺效果；俯拍讓觀眾產生降落感並且會覺得被拍攝的對象渺小或者矮小、地位低下。