20年代電影如何拍攝

❶ 20世紀20年代的電影工業發生了怎樣的變化

我以前已經談到過這個問題，但這次我將從一個稍微不同的角度來解決這個問題。整個20世紀20年代，美國電影業呈幾何級數增長。後來有了更多的劇院，更多的產品，業務也得到了整合，幾家大公司形成了「製片廠系統」:簽約演員、導演和編劇;在裝配線的基礎上做出的特性。連鎖影院發展起來了，其中大部分由經營電影公司的公司控制。

但是電影行業在美學和技術上也有進步。例如……這是1920年的裝飾和照明，帶有佐羅的標志…在1924年前後，以《巴格達的小偷》為背景進行了裝飾和照明……更加註重光源，更加註重造型。

因此，20世紀20年代不僅僅是有聲電影的時代，它還推動了藝術形式的發展，提高了電影製作技術，(在公司方面)鞏固了美國電影業，從製作到發行再到展覽。(垂直整合,有人知道嗎?)

❷ 八十年代的電影特效是怎麼製作的

在20世紀70年代末至80年代期間，電腦技術尚在起步階段，電影特效的製作方法多種多樣，主要分為以下幾種：
1. 膠片特效：這種方法成本較高，涉及對已拍攝好的電影膠片進行二次創作。例如，為了呈現一個人物在同一場景中進行多個動作的效果，特效師會單獨為演員拍攝動作，然後逐幀從膠片上摳像，並與背景進行合成。這種技術在《星球大戰》系列電影中的激光效果製作中得到了應用。通過將不同顏色的光線（如紅、藍、綠）與動作畫面結合，逐幀製作，最終形成帶有動態激光效果的片段。
2. 模型特效：模型特效在黑白電影時期就已存在，其中《星球大戰》系列電影以其精細的模型特效著稱。而成本最高的模型特效之一則出現在《泰坦尼克號》中。
3. SGI圖形工作站：這種工作站類似於現代電腦，但由於當時電腦技術尚未發展到處理完整視頻的程度，因此被稱為圖形工作站。它們主要用於逐幀處理圖像。
至於背景顏色，雖然純色背景在電影拍攝中被廣泛採用，但並非總是藍色。在電影早期，白色背景更為常見。隨著時間的推移，電影製作人們根據場景的需要選擇不同的背景色，包括青色、藍色、綠色等。
值得一提的是，《終結者2》中的液態金屬機器人T-1000，其特效製作就綜合運用了上述三種方法。特效師首先製作了一個與真實比例相符的T-1000模型，並為其拍攝不同動作的逐幀畫面。隨後，這些畫面被輸入圖形工作站進行效果處理，如創建傷口或實現液態效果等。最後，通過摳像技術將這些處理過的畫面與原始拍攝素材結合，進行二次曝光，製作成最終的電影特效畫面。

❸ 20—60年代的電影主要用了哪些特效

根據網路資料

中國電影特效50年代處於萌芽階段 60年代處於自主研發階段
50年代 萌芽
1950年，根據中央電影事業管理局的指令，在東北、北京和上海電影製片廠分別設立了特效部門，由東北電影製片廠負責對各廠選派的特效人員進行基礎知識的專業培訓和實習。1953年，上海電影製片廠正式成立了工種齊全的特效科。1955年 《天仙配》首次研製並運用了「分色合成」的特效工藝。1956年 《沙漠里的戰斗》中首次應用了空間像逐格放映合成攝影工藝，黑白電影開始有了越來越新奇的畫面。
60年代 自主研發
上世紀60年代中國電影特效發展迅速，各家製片廠都在研發技術。1960年，為拍攝《寶蓮燈》開發出了分裂遮光器的特效攝影術，這一技術之後又在《孫悟空三打白骨精》中進一步完善。1963年，《紅日》和《水手長的故事》大規模地使用了模型攝影、動態配景接景等合成攝影，以假代真拍攝了大量有坦克和飛機的戰爭場面。60年代初期，北影特效部門製成我國第一套國產紅外線幕活動遮片合成攝影系統，並首次在影片《游園驚夢》中成功應用。
70年代 重生

❹ 中國20-90年代電影及其風格

第四代導演——在夾縫中探索奮斗
這一時期，中國電影創作的主力軍是「第四代導演」。「第四代導演」的主體是六十年代電影學院的畢業生，還包括在同一時期自學成材的人。他們雖然學藝於六十年代，由於種種歷史的原因，其藝術才華到1977年以後才發揮出來。幾近不惑之年的「第四代導演」，一旦沖出起跑線，便顯示出穩健的創作實力和持久的藝術後勁。他們以開放的視野，吸收新鮮的藝術經驗，不懈地探索藝術的特性，承上啟下，力圖用新觀念來改造和發展中國電影。他們提出中國電影要「丟掉戲劇的拐杖」，打破戲劇式結構；提倡紀實性，追求質朴、自然的風格和開放式的結構；注重主題與人物的意義性和從生活中，從凡人小事中去開掘社會和人生的哲理。「第四代導演」有理論，有實踐，是這一時期獲得重大成就的一支導演力量。
在「第四代導演」中有代表性的人物是吳貽弓、吳天明、張暖忻、黃健中、滕文驥。
除上述導演外，鄭洞天、謝飛、胡柄榴、丁蔭楠、李前寬、陸小雅、於本正、顏學恕、黃蜀芹、楊延晉、王好為、王君正、張子恩、宋崇、叢連文等都以不同風格的作品在這一時期留下了深深的印記。

❺ 20年代中國電影是如何從藝術探索走向商業競爭的商業電影的類型特徵和製作策略是什麼

20年代中國電影發生過一次"突轉",以1926年為界，中國電影從文藝片突然整體轉向商業片大潮。主要原因一是受美國好萊塢模式的影響，二是電影本身生存的需要，競爭機制決定了電影經營者轉型。三是本土文化作為片子養分所決定的，四是當時的電影工作者美學觀念的嬗變，決定了這次文藝思潮的整體轉型。

商業片是以票房收益為最高目的、迎合大眾口味和欣賞水準的影片。商業片往往採用的手段在題材的篩選一定是要奇觀化，製作班底則是明星制，投資上一定是大投資、大製作、大炒作，商業片是支撐整個電影業生存，盈利乃至發展的一種類型片抑或稱為模式。

❻ 電影的畫面是怎麼拍出來的

一部電影鏡頭的運用有多重要，如何跳出定勢思維？

朝日傳媒給出了更多關於電影鏡頭的思考。

《天使愛美麗》(2001) 劇照

朝日傳媒

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❼ 影視畫面中拍攝鏡頭的技巧

什麼是影視中的長鏡頭
長鏡頭是指連續地用一個鏡頭拍攝下一個場景，一場戲或一段戲，以完成一個比較完整的鏡頭段落，而不破壞事件發展中時間和空間連貫性的鏡頭。

長鏡頭是指連續地對一個場景、一場戲進行較長時間的拍攝，所形成的鏡頭。
在拍攝長鏡頭時，通過攝象機的運動，形成多角度、多機位的效果，造成畫面
空間的真實感和一氣呵成的整體感。
它原為電影的拍攝技巧，產生於上世紀20年代。在電影發明之初，剪輯技巧還沒
成為專門的製作手段時，電影畫面大多是採用長鏡頭拍攝的。
長鏡頭最根本的在於鏡頭內縱深的場面調度產生的紀實性和整個影片節奏的起承轉合所體現的現實主義風格。當然，相對而言，講求景深內的場面調度會使鏡頭的時間變長、節奏變慢。看看侯孝賢等台灣導演的電影就相當明顯。
大景深長鏡頭：是一種採用深焦距拍攝的長鏡頭。是在長鏡頭內實現現場畫面調度的手段。
這種鏡頭常用來保持畫面時間和空間上的完整統一。
其作用為：
a.能以一個單獨的鏡頭表現完整的動作和事件，而其含義不依賴它與前後鏡頭的聯結就能獨立存在
b.強調長鏡頭在時間上的連續性和深焦距造成的完整的空間的作用，形成幾個平面互相襯映、互相
對比的復雜畫面空間結構
c.由於這種多層面和多元性的畫面，比然派生出多義性，使大家在欣賞影片時有相當大的選擇自由
並自由地對畫面形象的某些或全部含義做出自己的判斷和理解。
攝影長鏡頭的缺點
首先,質量上乘的長鏡頭價格昂貴.
其次,長鏡頭往往又大又笨重,在你整天背著它到處轉之後,就會有切身體會.
第三,鏡頭的焦距越長,照相機就必須把握得越穩定,以避免影像模糊.經驗准則是只有當快門速度至少等於鏡頭焦距毫米數的倒數時才能夠手持鏡頭進行拍攝.也就是說,當快門速度低於1/100秒時就不能手持100mm鏡頭拍攝,低於1/1500秒時就不能手持500mm鏡頭拍攝等等.在下一課中還會講到.為了確保得到銳利的影像,我們推薦設置更高的快門速度.我們推薦的設置值是鏡頭焦距的"兩倍".也就是說,當快門速度低於1/200秒時就不能手持100mm鏡頭拍攝,低於1/1000秒時就不能手持500mm鏡頭拍攝.因此,對於大多數遠攝鏡頭的拍攝工作都需用要使用三腳架.
第四,不管長鏡頭的光學系統多麼完美,拍攝遠處的物體時,影像總是處於充滿塵埃、陰霾和熱折射的大氣環境中。只有在非常罕見的清澈空氣中，才能獲得特別清晰的遠攝影像。
建議在練習的這個階段，除了照相機上已經配備的鏡頭之外，不必再購買任何鏡頭。以後成為"高手"時，可以考慮較長焦距的鏡頭。即使在那時，除非對超長鏡頭具有特殊的需求，並且資金也不成問題，否則我們建議不要考慮超過200mm的任何鏡頭。如果偶爾需要超長鏡頭，可以考慮添置一隻遠攝增距鏡。